La venganza de un hombre paciente

"Mi nombre es Máximo Décimo Meridio, comandante de los Ejércitos del Norte, General de las Legiones Félix, leal sirviente del único emperador Marco Aurelio. Padre de un hijo asesinado, esposo de una esposa asesinada, y juro que me vengaré en esta vida o en la otra". Gladiator (2000)

El mejor western crepuscular tiene como subtema recurrente el de los hombres sin padre, sin duda la Historia con H mayúscula cumple un papel en el género del protagonista. No sería lo mismo de ser lo contrario. En los últimos años estamos viendo un cambio en un subtema de la ciencia ficción tan profundo, complejo e inescrutable como el primero: las mujeres sin progenitores. Bien sea la misma Rey del Episodio VII o Imperator Furiosa de Mad Max: Fury Road.

Jynn Erso (Felicity Jones) crece de una manera aún más destructiva. Su viaje no desentona con el que Víctor Erice quería darle a Estrella, un nombre compartido jeje, en su gran e inconclusa obra maestra, El Sur. El viaje de una mujer que por fin logra entender las acciones de su padre y las revaloriza. Jynn Erso es desde el inicio un personaje combativo pero que prefiere vivir sin alzar la vista. Su mundo nació con el Imperio y no le molesta. Es al encontrarse con su padre, aunque este sea un holograma que emprende su causa.

Una causa que no deja de ser política pero de un valor mucho más profundo. Al igual que el personaje de Daniel Day-Lewis en El nombre del Padre, Jynn al comprender los actos de su progenitor emprende una causa mucho más justa que la de la Rebelión. Restaurar el nombre de su padre. Quizá por eso su clímax personal, su descubrimiento llega pronto. Pero es un momento importante y de gran valor simbólico. Cuando un grupo de hombres deciden saltarse todo el procedimiento del sistema rebelde para irse en una misión suicida en busca de una redención por sus actos, están perdidos y ella es una luz que seguir. Es en ese momento un claro reflejo de su madre al decir "Que la Fuerza nos acompañe", una mujer guiando con su luz a un grupo de desamparados.

En la Historia con mayúsculas hay decenas de actos que acabaron siendo suicidas por falta de refuerzos. Intentos fallidos de ser ejemplo para construir un mundo mejor. El Guernica se pinto inspirándose en uno de esos intentos. Muchos criticaron el Episodio I por su trama política, pero este Rogue One es tan política como simbólica, de una forma sutil como la lluvia que resbala por entre los dedos. De la misma manera que Galen Erso (Mads Mikkelsen) inspira a la gente. Rogue One demuestra que no sólo ellas son impulso de venganza.

Pero no es una película perfecta. Es la primera de la saga en la que salen carteles indicando en qué lugar sucede la acción como si así nos fuéramos a hacer un mapa mental de la Galaxia creada por G. Lucas. Así como la decisión de usar similitudes digitales para los personajes de Leia Organa y Moff Tarkin. La primera es para rejuvenecerla media vida y el segundo para volver a traer a la vida a Peter Cushing. No sólo se notan irreales. El uso de esta tecnología es un acto de bajeza ética. La importancia de un actor se basa en el uso de su propio cuerpo. No podemos hablar de la actuación de alguien que no actuó y el actor que sirve de modelo es de alguna forma ninguneado.

Que Star Wars guste a tanta gente y tan variada es un buen síntoma. Muchos de sus fans son hijos de familias adineradas y de mentalidad más conservadora que al ver las nuevas películas de la saga no les parece mal sus protagonistas femeninos. De la misma manera que no les parece mal sus decisiones y estas son más antisistema que los actuales partidos políticos que se definen como tal. Ahí hay una palabra que cuesta escuchar en el último disco de Love of Lesbian muy ligada a esta saga; ESPERANZA.

Análisis: Kappa

A día de hoy que hasta Zelda lleva una especie de smartphone para que le aligere el mundo es raro encontrarse con personas a las que le guste estar bajo la tempestad. No nos gusta soportar las tinieblas de los que tenemos alrededor, incluso solemos pensar que si hay de eso la vida no puede ser apacible. Ni siquiera en el hogar familiar. 

Algo similar le ocurre al protagonista de Kappa. Parece adicto a su tempestad pero incapaz de aguantar ni la remota idea de las tempestades ajenas. Pero el agua es siempre tan pequeña para escurrirse entre nuestras manos, bañarnos el rostro y sin necesidad de parlamentos aclarar que está presente. Somos nosotros con continentes los que impedimos su paso.  El agua siempre fluye. Esa parece ser la vida del protagonista de esta obra, la de una persona que ha decidido que no volverá a llover problemas si decidimos que estos no existen y nunca existieron. En un mundo donde hay casi más líneas de teléfono que personas es muy raro encontrarse con personas que porten libretas. En eso también es particular el protagonista. Mediante esas libretas juega con sus amigos a entender su vida. Quizá también ellos jueguen a entender las suyas. Una vida que no fluye porque el mismo se ha puesto pantanos. Esa es la vanidad del ser humano. Si decidimos que algo no se mueve sólo necesitamos detenerlo artificialmente, destrozar su esencia, convertirnos en monstruos. Es en sus relaciones interpersonales 

La puesta en escena es minimalista, otorgando fuerza a la arquitectura de la palabra. De esta manera los juegos de imaginación de los personajes cobran mayor importancia. No es necesario crear artificios más allá de nuestra propia mente. Aportan un nuevo nivel al laberinto de relaciones entre personajes. Un laberinto que cada vez que veo la obra descubro o creo descubrir capas nuevas. Esto también es la parte negativa, el espectador al que no le guste o no sea capaz de meterse dentro de la convención que comparten los personajes le resultará aburrida o pedante. Sin embargo si lo tuyo es la tempestad, la propia y la ajena, Kappa será para ti un rompecabezas con las suficientes capas como para querer verla varias veces y dejarse mojar. En cierto momento hay un personaje que dice que se hace pajas y pajas mentales. Aquí está mi paja mental.

El Macbeth de la pérdida

"Al igual que el héroe clásico se sentía atado por su destino el hombre actual se siente atado por la sociedad, es un esclavo de todo lo que no le han permitido ser y sus ojos dictan una sola palabra: soledad" G. La buhardilla.

Justin Kurzel sería considerado en España un director novel al haber firmado sólo 3 películas, pero ha acertado con una adaptación donde el texto forma un apoyo más a la narrativa dejando que sea el todo lo que dé el sentido a la obra y no un acompañamiento. Se ha atrevido a rechazar el dictamen general sobre la obra de Shakespeare sin quitarle valor alguno, añadiendo el pensamiento que tiene el Ser Humano en el s. XXI sobre sí mismo y dando en la tecla acertada desde la intuición. La intuición con la que Shakespeare escribía sobre el hombre. 

Macbeth se nos presenta como un guerrero, experimentado capitán de las tropas del rey Duncan, recibiendo tropas supletorias para adentrarse en batalla. Las tropas son meros muchachos que seguramente no conocen el calor del lecho compartido con mujer y no sólo eso; para Macbeth son espejos del niño al que no ha tenido tiempo de llorar. Este Macbeth está roto desde el segundo 0 de la película y por eso surge envuelto en una nube naranja, es un hombre al que se le ha negado el tiempo para llorar a su hijo y consolar su matrimonio para defender a los hijos de los súbditos de Duncan y encima le envían adolescentes al combate. Sus deberes son más pesados que sus derechos y es esa ausencia de paz interior la que le convierte en el miedo. Sí, Macbeth es el MIEDO al minuto 10 de película cuando se encara y encuentra al líder enemigo impoluto, limpio mientras Macbeth va con las pinturas de guerra y con sus fluidos corporales mezclados tanto con los de sus aliados como sus enemigos, cuchillos en mano. Sólo necesita mirarlo para vencerlo. El campo de batalla es la paz en Macbeth; así se muestra con la ausencia de sonido, la ralentización de la cámara. 

Shakespeare utiliza con maestría a las brujas para darle un cariz de héroe clásico a su personaje y lo envuelve en un destino del que no puede escapar y donde mostrará la quitaesencia tanto de las virtudes como de los defectos del Hombre. Las brujas parecen acertar y se ve con posibilidades de reinar en Escocia. ¿Quién sino él merece reinar? ¿Quién sino él es el que más ha perdido por defender Escocia? Es ahí lo bonito de la ambición de Kurzel y todo su equipo, poner la pérdida por encima de la ambición. Sí Macbeth pierde un hijo y la posibilidad de llorarlo, Lady Macbeth pierde a un hijo y la posibilidad de ver que su sufrimiento es el sufrimiento de su marido tanto como lo fue su amor encarnado en ese hijo profundo perdido. Lady Macbeth no pide, exige a su marido que sea un hombre tal y como le enseñaron a ella que los hombres eran, tal y cómo había cumplido Macbeth hasta ese momento. Quiere venganza, el piadoso Duncan en su incapacidad por apagar por su propia mano sus problemas no recuerda la pérdida de este matrimonio. Para una mujer no hay nada peor que perder a un hijo sin poder hacer nada, ver como la llama del amor hecho vida se apaga sin poder hacer nada. Duncan viene para celebrar el triunfo en un momento en el que tocaba celebrar una pérdida, cuidar a su más fiel vasallo. En su inocencia es incapaz de ver la necesidad del momento, la pérdida que ha de restablecerse. Lady Macbeth empuja a su marido a algo que ella no conoce por mucha rabia que tenga. El peaje que se paga por matar un hombre es enorme, el peaje que se paga por matar a un hombre y defender una nación no trae noches de alivio y es un peaje que Lady Macbeth no conoce. 

Es la historia de un matrimonio que se pierde. Al hombre se le ha educado durante muchos siglos que es el que tiene que traer el alimento al hogar, que no tiene que mostrar sus sentimientos, que no puede llorar, que sus problemas son superiores a las fuerzas de la mujer y que no debe causarle penar contárselo, que tiene que evitarle todo el dolor posible. Macbeth necesitaba llorar, reventar y restaurar la vida del matrimonio, expresarle que la necesitaba y llevarlo a la paz. Lady Macbeth hace lo contrario y embala una insana ambición. Shakespeare en casi todos sus dramas muestra sin hacer juicio como la meritocracia es la mejor forma de democracia. Malcolm no se merece ser rey y Macbeth en lugar de esperar a que el tiempo lo corone se lanza a cumplir lo que le dicta su mujer. Total se parece a lo que le dictan otros, mata a este, trae la cabeza de este otro, vence a aquel. 

Empujar a alguien al borde de la locura al lado equivocado es un hecho que no puede deshacerse. Una vez asesinado el rey y coronado Macbeth se nos muestra la primera documentación de un estrés postraumático por una vida perdida en batallas. Se nos invita a asistir a un inmersión íntima a la locura. Lady Macbeth con su venganza saciada no puede hacer nada por rescatar a su esposo. El naranja envuelve a Macbeth tanto que hasta se lo pone en la ropa, el naranja de la batalla, el naranja que le envuelve y protege, nada entra en ese naranja. La sangre quiere sangre, Macbeth necesita luchar. Hasta ese punto podemos decir que las acciones de Macbeth son virtuosas. Duncan no ha sido capaz de sacrificar la corona por los hijos de Escocia y no ha hecho nada por entender a Macbeth. Sin embargo este se pierde no sólo al querer ver a su amigo, camarada, compatriota Banquo muerto, sino también a su hijo. En otro momento Macbeth habría entendido que todos los hijos que de la tierra de Escocia florece son sus hijos. Ahí radica la idea que Kurzel tiene sobre Shakespeare. Sí hubieran dado tiempo a Macbeth y no lanzado contra la vanidad este habría sido un buen rey. Un rey capaz de liderar tanto en la tierra como en el campo de batalla a su pueblo, de apostar su corona a cada problema y de vencerlos. Macbeth traiciona el propósito que le había sido designado. Matar a un hijo de Escocia, al de su amigo. Se traiciona a sí mismo y se pierde, es consciente de que se pierde y no es capaz de pedirle auxilio a Lady Macbeth, iría en contra de lo establecido por la sociedad-

Habitualmente Shakespeare usa a sus personajes como diferentes caras de un mismo objeto; Macduff es la otra cara de la moneda. Si tenemos a un hombre que se ha perdido la historia necesita un hombre que lo pierda todo. Si además para conseguirlo nuestro protagonista se traiciona aún más la ecuación sale perfecta. Macduff es guerrero antes que hombre como Macbeth. El crimen que se comete contra su familia nos muestra al verdadero enemigo. Malcolm le dice que lo afronte como un hombre, Macduff le increpa que para hacerlo también tiene que sentir como tal y se derrumba. El mundo no es un hogar para gente como Macbeth y Macduff. De la misma manera trata Kurzel al matrimonio Macbeth con la culpa en un encadenamiento de monólogos magníficamente montados. Ella se suicida por sus remordimientos y él tras bailar, literalmente, con la muerte y la locura busca lo que ha añorado desde el principio: la paz. Por desgracia para él su paz no son los labios de su mujer sino el campo de batalla teñido por los sesos estampados contra el suelo, con la niebla naranja rodeándole. 

La secuencia de combate es plasticidad pura, dos lados de una moneda doblándose hasta destrozarse tanto que rompen la propia moneda. Acaban solos y destrozados, nadie se atreve a tocarlos, ni a ellos ni a la espada clavada en el suelo de Macbeth. ¿Un guiño a Arturo? No tienen ese derecho. Ambos personajes lo han perdido todo por defender a los demás y a la idea de Escocia; necesitan terminar con su tormento y encontrar la paz. La película podría haber terminado en el plano cenital de ambos tendidos en el suelo pero sin yacer mientras el ejército pasa, pero Carver decía que el mejor de los finales es siempre el tercero, así que añade un montaje paralelo donde muestra la ambición de Malcolm por la corona y al hijo de Banquo todavía un niño que se acerca al cadáver de Macbeth para tomar la espada, el cielo se vuelve rojo. Macbeth a diferencia de Banquo no ha tenido la posibilidad de demostrarse como un buen padre y el hijo de Banquo a diferencia de Macbeth tiene tiempo para llorar la pérdida, crecer y ser el líder que Escocia merece. Es pura posibilidad.

Kurzel trae con un magnífico trabajo de interpretación y un rotundo golpe de mesa a Shakespeare al s. XXI con una profundidad antropológica y psicológica que atrae una dimensión más al ingente universo del dramaturgo inglés, Fassbender muestra un baile con la locura como si fuese sencillo y demuestra que su nivel medio es el 120%  y Cotillard no se queda atrás. Macbeth es eso, otra vez la historia de las posibilidades perdidas, del futuro prometedor que se convierte en infierno rojo, un reflejo de todos los hombres que no pudieron ser hombres porque les educaron para ser escudos de ideas abstractas, para ser armaduras andantes y no mostrar públicamente debilidad alguna, para resolver problemas ajenos antes que amar. Hombres que se pierden sin encontrar apoyo pero que no van a dejarse caer, hombres que se sienten solos y llamados por la noche, hombres que saben que no son hombres, pero que mueren de pie.

¡Dios salve al rey de Escocia!

PD: El Shakespeare de la pérdida y la incomunicación, me alegra que salga bien un proyecto así, es él que quería hacer.

El éxito de una película acomplejada

Cuando se adelanta o se atrasa el estreno de una película hay que preguntarse el porqué. Que motiva a la distribuidora a un cambio de fecha y si ese cambio va a perjudicarle por mucho que le beneficie. Ocho apellidos catalanes es una película que se ha adelantado con forme a lo previsto y cuyo adelanto a supuesto un atraso a Los juegos del hambre: Sinsajo parte 2. Sin embargo el adelanto de Ocho apellidos catalanes es la decisión de llamar a la gente a las salas de cine por el morbo, las tensiones con Cataluña son las más fuertes de los últimos años y en principio los comicios bien podrían haber caído en Noviembre. Además, diciembre va a ser el mes de Star Wars: El despertar de la fuerza cuyo rendimiento en taquilla puede suponer un récord mundial de espectadores y taquilla anual. Toda una compleja campaña para algo que tan sólo necesitaba mostrar sus credenciales.

Porque Ocho apellidos catalanes por mucho que haya costado más que Ocho apellidos vascos es la secuela de la película española que más ha recaudado. Repite parte de la plantilla pero no fórmula con una historia central más bien floja debido al carácter débil y moderno que se le da al personaje de Berto Romero, su inclusión en la película es crear gancho, cuyo nivel de pulsaciones es plano de principio a fin. Con un antagonista así la trama central vuelve a los chistes regionalistas y a diferencia de la primera sí que se mete con los nacionalismos, sobretodo con la lucha y comparación de nacionalismos. 

Si la trama central es floja narrativamente el espectador medio encontrará mayor disfrute en las tramas secundarias e incluso terciarias pues Borja Cobeaga y Diego San José no pueden olvidar sus raíces y menos con un guión hecho deprisa, corriendo y al que le faltan un par de análisis y una revisión completa en la parte catalana. Eso y el nivel actoral más bien normal de la mayoría de actores hace que Karra Elejalde se coma a todos los que aparecen a su alrededor en pantalla, tal importancia tiene que empezamos con él en unos planos en los que le dan más importancia que a partener, Carmen Machi, y acabamos con él. Si esto fuese una partitura diríamos que él es el protagonista. Tal flojera contiene la trama principal y se acentúa con sus actores protagonistas. 

Estamos ante una película vacua cuyo único propósito consiste en entretener y conseguir una risa de vez en cuando y pasar. A mitad de la película hay un bajón y se empieza a pedir el tiempo de descuento, pero también es la parte en donde Berto y Rosa María Sardá acumulan más escenas y de más importancia, la segunda se pasea por la película. Es una lástima porque su personaje es una remisión a Good Bye, Lenin! muy bien llevada y muy desaprovechada. Al final tanta tensión generada en torno a ese personaje y no ocurre nada, no hay detonación de tal forma que derrumba todo lo creado anteriormente. 

En cuanto a la dirección Emilio Martínez-Lázaro supera la película tirando de experiencia sin demasiados deleites visuales, con un lenguaje sencillo, sin subtexto. Las escenas con retoques digitales se notan mucho y no es que aporten excesivamente pero hay dos momentos en los que demuestra sus galones. En ambos nos hace recordar al Saura de la película de danza con ese plasticismo, ese sonido que acompaña al movimiento y nos traslada a mil sitios sentados en uno sólo. Son dos secuencias, una más larga y más explícita pues es un baile y la segunda, más breve, viene con el beso final. Eso vale oro, con eso el resto sobra.

Estamos ante una película que podemos dejar pasar, con una producción precipitada en todos los aspectos, la banda sonora se grabó la primera semana de octubre de este año, cuyo éxito se debe al al precedente y no al actual producto, sin embargo, no podemos olvidar el funcionamiento: el director es director, los guionistas son guionistas y el montador es montador. No hay encabalgamientos, ni envidias, prejuicios. Se trata a todos por igual, una suma de partes que pesan más que la interactuación de las partes solas. La maquinaria funciona, ahora falta el producto.

¿Hacia dónde se dirige el cine?

Ante las últimas disputas sobre cambiar el período de espera entre ventana y ventana cinematográfica y las controversias de los últimos estrenos, algunos apurando las últimas semanas a fin de comenzar a hacer campaña para los Oscars y el inminente estreno de la última película de Lars Von Trier, me ha surgido la misma pregunta. ¿Hacia dónde se dirige el cine?
Mientras discuten en Estados Unidos sobre el estreno simultáneo en varias plataformas en Pamplona se ha demostrado que el problema está en el precio excesivo de la entrada. Mientras unos apuestan por convertir los cines en un espectáculo de nicho otros con pequeños reajustes consiguen recuperar un poco de margen de público perdido. ¿Si las entradas fueran más baratas se ganaría más público y dinero y se seguiría perdiendo? Estaría bien si alguna sala de cine, dentro de los márgenes legales de competencia, pone a menos precio las entradas durante un año. Como prueba. Sería interesante ver que saldría.

Por otra parte la siguiente noticia me pareció inquietante. No tanto por los premios del Cine Europeo que son geniales para el cine que se entiende más como arte que como industria. Me preocupa la forma en la que esta escrita con un titular que se aleja mucho de la noticia y sobre todo que dista bastante de ser verdad. Si hay algún nombre del cine español que conocen sus ciudadanos ese es Almodóvar. Tenemos grandes directores, mejores que él, algunos ya bajo tierra, y que no conoce el público general. Es una desgracia pero esto es así, por lo menos en España. Pero esa no es la preocupación.

La preocupación es que se compare al cine con el fútbol. Que me tenga que identificar con algo y vaya a muerte con ello. Con España. El cine no va de bandos, el cine tiene gran parte de subjetividad y una pequeña parte de objetividad. Esa objetividad que nos dice que Blancanieves no podría ganar un premio a mejor película cuando se grabó un año antes que The Artist y se distribuyó un año después. No es ir o no ir con España, ni con Pedro, ni con ninguna película. Es que hay premios a los que no se puede llegar por los errores cometidos y si no se aceptan volveremos a ver noticias como esta. Quizá sea eso, el ansia de premios que parece arrastrarnos. Con todas estas noticias me preguntaba:
¿Hacia dónde se dirige el cine?
Desde mi punto de vista el carácter ferial con el que surgió lo está matando. Es una muerte lenta y agónica, pero que de seguir así será irreversible. Tampoco creo que el cine sólo como arte sea la opción a seguir. Lo suyo que cada uno ganase lo que merece y que nadie intentase conseguir más. Eso sería lo suyo, pero el equilibrio parece algo complicado o eso dicen. ¿Qué opinan ustedes?

Las lentejas de Esaú

Estoy cansado de decir siempre lo mismo, que en este mundillo nadie se acuerda de uno salvo si su propia escalada a la cima le cruza con tu camino. La cima, algo tendrá la cima para que en el camino las personas se olviden de otros, a algunos incluso los llaman amigos, y sólo vean su propio ombligo. Algunos a esto le llaman ambición y lo intentan convertir en un sentimiento romanticista, porque todo el mundo sabe que el romanticismo fue la época con menos problemas de la humanidad. Hoy te escribo a ti joven estudiante que aún no sabes muy bien que estudiar y dónde.

Puede que ya hayas hecho alguna cosilla y te hayan empezado a dorar la píldora. No les creas. No les creas porque es mejor para ti, para tu vida emocional y psicológica. Seguramente te dicen que eres muy bueno, que puedes hacer casi cualquier cosa, igual eres de esos que aún cree que un bloc de notas y un bolígrafo son herramientas fundamentales para lo que haces. No te equivocas, el problema es que casi nadie piensa ya eso. En definitiva te dicen que eres muy bueno, pero los años pasan y tú sigues haciendo lo mismo que el año anterior y el año anterior y el anterior. Pasan los años y tú estás para solucionar problemas, para tapar huecos. Si ese año tu equipo no tiene centrales jugarás de central, si otro año el delantero centro se parte en dos la pierna te pondrán a meter goles. Da igual lo bueno que seas porque nunca es tu momento para tu oportunidad. No cometes grandes fallos, pero ves el tiempo pasar; ves como las viejas caras se van y aparecen nuevas caras y esas nuevas caras también se van y tú sigues en tu sitio con los mismos elogios de siempre.

Si eres bueno en algo no lo hagas gratis.Si eres bueno creando marcas en las empresas no lo hagas gratis, si eres bueno grabando videoclips no lo hagas gratis, si te llaman para hacer páginas webs no lo hagas gratis. Porque nadie se va a acordar de ti y si se acuerdan, reza y cruza los dedos porque actualmente no hay proyecto en el que la responsabilidad caiga en una sola cabeza. Si ya es difícil que una persona se acuerde de ti imagina dos, si ya es difícil que te cruces en el camino a la cima de una persona imagina dos. Esa es la realidad joven que aún no sabe qué va a hacer con su vida. Muy pocas personas van a estar contigo sin querer sacar nada a cambio.

Sólo hay una receta que funciona siempre joven estudiante, haz siempre lo que te gusta y dónde te guste y si en algún momento te empieza a disgustar cambia de sitio, de aires y de personas. Este mundo no es el que has visto por la televisión, aquí no hay final feliz tan sólo frío que se cala en los huesos y en ocasiones apaga llamas humanas.

Las curiosidades de los Emmy

Si hay una entrega de premios con muchas sorpresas esa es la gala de los Emmy. Ya sea porque llevamos 15 años a un nivel altísimo, ya sea porque Netflix está apostando por un nuevo modelo de programación, o porque HBO sigue su gran reinado (y que por muchos años sea), o porque aquella noche terminaban varias series que tuvieron su mejor récord de audiencia histórico como le pasó a Dexter. La tele mola.

¿Por qué nos choca tanto los premios Emmy? ¿Por qué nos parece raro que gane tal o cual? ¿Por qué nos sorprendió que Jeff Daniels ganase el Emmy a mejor actor dramático o Breaking Bad a mejor serie dramática? Es tan sencillo como que pensamos en que los premios se dan por lo que estamos viendo cuando se dan por lo que ya hemos visto. Cuando Homeland ganó su Emmy a mejor serie dramática el espectador que iba al día estaba viendo la 2ª temporada, pero el premio lo ganó por su 1ª temporada.

También hay que entender que no se presenta una serie entera, sino que las series mandan un capítulo, lo cual es muy importante a la hora de las candidaturas de actor. Es por eso que Jeff Daniels se ha alzado con el galardón a actor dramático. Por otra parte que haya sido una sorpresa la victoria de Breaking Bad se debe a que en EE.UU. la crítica semanal tiene un peso brutal y Breaking Bad es casualmente la última serie de la temporada de AMC. Lo que hace que actualmente la crítica semanal esté hablando más de la segunda tanda de la 5ª temporada que de la primera.

Las cuestiones que abren estos Emmy son si Netflix conseguirá alcanzar algún premio importante el año que viene con "House of cards" y "Orange is the new black" o si sucederá como este año en el que AMC y HBO han frenado su avance.

Finalmente y aunque Dexter haya conseguido su récord histórico de audiencia creo que en Showtime se ha implantado lo de grabar temporadas que no llevan a ningún sitio. Tengo interés en que pasará con Homeland, las peleas internas entre sus dos actores se me antojan como un incentivo para cerrar una serie que merece ser apoteósica.

Repito, la televisión actual mola.

Hacia lo salvaje

"¿Vas a quedarte una temporada?" Pascal

En aquellos primeros dorados años del cine los lugares que acogían a la primera generación de espectadores eran verdaderos palacios muy parecidos a los teatros. Lugares con grandes salas, lugares bonitos. Hoy en día hay menos, en octubre siempre se puede ir a visitar el Moncayo en Tudela a raíz de su festival de ópera prima, y los que hay no son como los que eran. La decoración es mucho más moderna y minimalista, sin ese toque de glamour de los primeros años. Algo más cutre quizá, más Miley Cyrus que Rita Hayworth. No es malo sino distinto aunque nunca está de más recordar los orígenes.

La película de hoy va de orígenes y de sencillez. Es Una casa en Córcega. Christina es una joven de treinta, con un trabajo de camarera y un novio llamado Marco. Una vida normal y monótona, una vida muy contemporánea con los problemas de estrés y aburrimiento que conllevan. La abuela de Christina muere y le deja una casa en Córcega, evidentemente todo su entorno le recomienda que la venda directamente y aquí empieza lo bueno, la joven Christina se enfrenta por primera vez a ellos y decide ir a ver la casa antes de venderla.

En Córcega le pasará algo parecido al personaje de Russell Crowe en Un buen año y su vida dará un giro de 180º. Una alabanza a la vida, a la serenidad y el silencio del campo, una oda a cómo conocerse a uno mismo y a cómo vivir la vida a su manera, pero vivirla de verdad y no lo que le pasaba antes. Un canto a la introspección como posibilidad y disfrute del ser humano sin apenas planos cortos. Una película sencilla con temas inmortales como el amor, la amistad o el amor fraterno. Y no les digo de quién se enamora Christina porque les destruyo la película.

El director belga Pierre Duculot debuta en un largometraje de ficción con esta película que él mismo clasifica como "muy poco americana".  Pero este belga no es ningún recién llegado, profesor, periodista cinematográfico, productor y director de documentales y programador de festivales. Para él la ficción debe ser como una vacaciones.

En su estreno en Madrid, la película se rodó en 2011 y se estrenó a mitades de agosto ejemplo del drama de las pequeñas producciones, Pierre dijo: "El hecho de que se haya rodado con poco dinero impone unas opciones que a mí no me molestan porque me horrorizan las cámaras que se mueven sólo por moverse". Todo un alegato de cómo rodar y de cómo vivir la vida. No me cansaré de decir que el cine te enseña el oficio de la vida y la vida los oficios del cine.

Vuelva a tomarse unas vacaciones con la ficción, señor Duculot. Por favor, hágalo por el público que pide un cine más inteligente.

Esta es la última entrada de las mejores películas del verano. Sé que no son cinco cómo suele ser habitual en este tipo de listados pero sería demasiado vanidoso por mi parte escribir de una película más cuando no he visto todas las películas de verano. Es cierto que he visto más, varios de los blockbusters veraniegos pero me han parecido muy flojos y con cierta falta de respeto a la inteligencia del público. También he echado de menos que aún no se hayan estrenado películas que en algunos festivales han salido con buenas críticas e incluso premios importantes, pero visto como esta el mundo de la distribución no me extraña nada y mucho menos si a La Caza le costó un año desde que se estrenó en Cannes hasta que se estrenó en nuestras salas. Bueno, os dejo un hueco para que opinéis qué película debería incluirse en esta lista. Ahora es cuando me podéis decir que me he olvidado de esta o aquella película y los porqués convenientes en los comentarios, y comentar cuál debería rellenar la lista.

Espero que hayan disfrutado del verano, nos vemos.

La venganza de Madelaine

"Siempre hay algo auténtico en cada falsificación". Virgil Oldman

Durante años fue considerada Ciudadano Kane la mejor película de la historia. Hoy en día no sólo no es la ópera prima de Orson Welles sino que además ha perdido su corona en beneficio de Vértigo de Alfred Hitchcock. Ambas películas tenían como uno de sus temas la percepción de la realidad. Uno cómo principal y el otro como secundario. La película de hoy da una vuelta de tuerca a ese tema  de la percepción de la realidad, tema tan antiguo en el cine como lo es Carl Theodore Dreyer.

La película de la que hablamos hoy es la última obra del cineasta Giuseppe Tornatore, La mejor oferta. En asociación con Warner Bros y proyectada en la edición 63º de la Berlinale, un año después de que fuera proyectada la película de la que hablamos anteriormente.Una banda sonora de la mano de Ennio Morricone que está llevando acabo su vendetta personal contra la industria de manera sublime. Con muy buenas críticas por parte de los medios y una gran aceptación por parte del público esta película es de un gran potencial. Quizá por eso se han usado actores no italianos y se ha rodado en inglés. No nos podemos quejar, en pantalla tenemos a un tremendo Geoffrey Rush, uno de los poco actores con la triple corona de Oscar, Emmy y Tony y la escalera de premios a los que sumamos a los anteriores el Bafta, Globo de Oro y Sindicato de actores.


El personaje de Geoffrey Rush se llama Virgil Oldman, el nombre va con coña, es un experto en arte y se dedica al mundo de las subastas. Junto al personaje de Donald Shuterland, que a estas alturas de su vida lo único que hace en cada película que participa es engrandecer su leyenda, se dedican a comprar grandes cuadros a precio de ganga. El viejo Oldman tiene un trastorno compulsivo y guarda en una habitación

retratos de mujeres, única y exclusivamente retratos de mujeres. Es muy importante saber que estamos ante una persona que al igual que el personaje de James Stewart no percibe correctamente la realidad. Porque en esta película ya sabemos que va a pasar, se nos muestra abiertamente pero gracias a ese juego de subjetividad con el protagonista se consigue la sorpresa por parte del espectador.

Este personaje se encuentra con una señorita con agorafobia y una casa llena de muebles y diversas piezas de arte que quiere subastar. Un suculento tesoro y él elige la mejor parte, a la joven. A partir de ese momento la sombra de Madelaine es larga y cómo en Vértigo él intentará cambiarla, mejorarla, hasta que superé su fobia. Y ahí esta la magia de este film que al final le da una vuelta de tuerca, previsible porque te lo estaba diciendo una y otra vez, pero sin dejar de sorprender. Y es esa vuelta de tuerca lo que marca la diferencia entre una película buena y una muy buena.

He de reconocer que este director italiano es un figura.

Al silencio lo empuja el viento

"Pero las personas que mataron no fueron parásitos. Los niños iban a la escuela. Tenían baño. Eran gitanos trabajadores". Jefe de Policía

Los europeos desde el principio entendimos que en esto del cine sin silencio no se iba a ninguna parte. Las primeras películas de los Lumière no necesitaban intertítulos para entenderse. Han pasado unos ciento veinte años y el silencio sigue siendo crucial para muchos europeos.

En la tierra de Béla Balázs se han hecho películas donde el silencio estaba en su mayoría presente. En Sólo el viento no es diferente. Es tan real y cuenta su historia con tanta crudeza como la película que ayer mencionábamos. O más. La película no es un documental, usa hechos reales para crear una ficción paralela. Es una película sobre el miedo, la opresión del fuerte al débil o del que recibe las ayudas al que no las puede conseguir, el racismo, el machismo, pero sobre todo de las diferentes formas de defender a la familia. Empieza la mañana siguiente al brutal asesinato a un familia gitana vecina dónde ejecutaron uno a uno a sus miembros.

Con un padre que está en Toronto sacando dinero para llevarlos a Cánada y en una sociedad donde una mujer es afortunada si llega al matrimonio sin ser violada la madre, el hermano y la hermana, cada uno a su forma intentan defender a la familia. La madre a base de sacrificio, es pluriempleada y va constantemente de un trabajo a otro. A causa de esa vida ha tenido problemas con el alcohol. Para ella todos los días comienzan antes de que salga el sol cuando silenciosamente hace café. La hermana lo hace desde la ternura, es experta en escapar, quizá por su etnia, de los abusos sexuales de los compañeros de clase. Porque sí, es una escuela donde nadie ve nada. Es mejor mirar a otro lado y callar que hablar y ser el centro de los abusos. En el entorno familiar cuida realmente más que los hombres a las mujeres. El hermano defiende a la familia mediante su ingenio de pillo. Sabe dónde está cada cosa que sirve la pena y tiene un plan b por si todo va mal.

Porque es un sitio dónde todo va mal. El jefe de policía en el lugar del último asesinato deja patente que sabe quiénes son pero no puede hacer nada por pillarlos y cree que las últimas víctimas fueron sacrificadas y no tuvieron que ver con las otras víctimas de violencia racial. Son los fuertes acechando al débil en un sistema creado por ellos mismos. Los hombres machacan a las mujeres, mujeres que son las que realmente sacan adelante la vida en esos lugares.

Es una película preciosa, la cámara sigue a los tres personajes principales a lo largo de un día en su deambular en silencio por la vida con la cabeza agachada por el miedo. Con apenas líneas de diálogo y muchas escenas dónde el manejo con el que graban con luz natural es impecable. Hay muchas escenas plagadas de silencios cómo la última en la morgue de la comisaria dónde sólo con la expresión y los movimientos del actor se sabe que el forense está tan cansado de estas muertes inútiles como el jefe de policía y se siente impotente. La impotencia de colocar, otra vez, la ropa a los muertos. O otras como la madre levantándose aún de noche para hacer el café, la hermana jugando con la chica en el agua que contiene productos de limpieza, el niño sacando su rabia contenida al darse cuenta de lo que realmente pasa. Pequeña escenas que se marcan en nuestras retinas.

Un film muy valiente que sin necesidad de mostrar y mediante sugerencias nos coloca en situación. Así pues el vistazo a un informe del forense nos cuenta lo brutales que fueron los asesinatos, el que dos adolescentes, uno sin camiseta, tiren a una chica al suelo y le digan que se deje que terminan pronto y que ya sabía que iban a por ella nos cuenta una vida de abusos y un largo etcétera.

Con actores amateur el autodidacta director Benedek Fliegauf ha conseguido alzarse con el Oso del Gran Premio del Jurado de la Berlinale. Lo cual no es moco de pavo. Una película que en España se estrenó la misma semana que Guerra Mundial Z. Mientras en Berlín salió aplaudida en España entró con prejuicio. La radio, los periódicos o la televisión hacían eco a la lentitud con la que la película avanzaba y así Sólo el viento pasó por la cartelera cómo su protagonista por la escuela con la cabeza agachada y sin hacer ruido, fingiendo no existir para no ser la siguiente víctima.

Está película no piensa en hacértelo pasar bien, ni siquiera que salgas a la calle indignado, tan sólo que seamos conscientes. Lo que cuenta pasó en Europa, en nuestra querida y democrática UE y muchos de esos maltratos siguen ocurriendo aún en Europa. Es la voz de los que callan. Porque hay demasiadas injusticias cuyo único testigo es sólo el viento.

Ego 0%, Talento 100%

"Aún no has contestado a mi pregunta" Celine
"¿Qué pregunta?" Jesse
"¿Quieres estar conmigo los próximos 56 años"? Celine

Voy a escribir varios post sobre cuales han sido para mí las mejores películas del verano. A ser posible si vais a comentar y aún faltan por escribir post no digáis que me estoy olvidando de tal o cual película, simplemente no puedo escribir un post muy largo porque nadie lo leería del todo, yo me moriría escribiendo, así que tiene que ir por partes. Tampoco van a ir en orden, no voy a coger y ponerlas en ningún orden, simplemente para mí estas son las mejores películas del verano. Algunas tienen unas cosas que otras no tienen, unas son ejemplo de grandes ejercicios cinematrográficos, otras tienen un interés más antropológico lo cual no quita que sean grandes películas plagadas de una técnica usada a la perfección. Simplemente son joyitas que nos ha dejado el verano.

La primera película de la que voy a hablar es la 3º parte de una trilogía. Porque las trilogías también pueden ser buenas películas. Hablo de Antes del anochecer. Con unas excelentes críticas en Sundance y en la Berlinale. Modesta. Así es la trilogía de Richard Linklater. Más francesa que americana. Dos cámaras, un equipo de sonido, una steady, una grúa, un guión, música y algunos actores. Nada más, con eso se hace una película. Con eso Linklater filma la trilogía sobre el amor en la vida contemporánea. En una hora y cuarenta y ocho minutos nos muestra un día, el tercero que vemos de la vida compartida entre Celine y Jesse. Si Jane Austen con Orgullo y Prejuicio escribía sobre las diferentes relaciones de pareja, Linklater lo hace con una cámara sobre la evolución de una pareja. Entre la improvisación y el guión escrito.
Celine y Jesse, interpretados por Julie Delpy y Ethan Hawke, ambos excelentes y con un trabajo detrás de las cámaras que los engrandece a niveles impensables como en las dos películas anteriores. La película está grabada con muy pocos cortos y muchos planos secuencia. Entre el documental y la ficción. Se nos hace real ver a esta pareja que sufre la decadencia de la pasión y se encuentra en Grecia con la crudeza de los problemas cotidianos. Esa metáfora, lo que fue Grecia y su amor y lo que es ahora, un país destrozado.

Si la primera toma de contacto fue en Viena, el inicio de su vida viviendo juntos en París, no podría ser otro lugar sino Grecia para hablar de la crisis. La monotonía y cómo se lucha día a día contra ella hasta que finalmente se llega a lo que describe el libro Una pena en observación de C.S.Lewis, en la escena en la que están comiendo parejas de diversas edades y dos personas viudas.

Una de las cosas que más me gusta de esta película es la falta de ego que hay en torno a ella. En otras producciones vemos que una persona hace muchas, muchas cosas ella sola. Luego salen como salen, pero en esta Linklater deja el guión en sus manos y en la de sus dos actores protagonistas como ya lo hizo las dos primeras veces. Supongo que ese trabajo y el cuadrar las agendas ha sido la mayor parte de su labor como productor, los otros dos son uno griego y el suyo de toda la vida. El trabajo se delega y se vigila; es una de las pocas recetas que suelen salir bien. Con los actores ocurre lo mismo, lo normal es pedir primeros planos, monólogos o cosas así. Aquí hay un guión escrito y gracias a las decisiones de rodaje improvisación, claro que no sabemos que es lo improvisado y que es lo escrito.

En España recaudó 501.750 € o lo que es lo mismo la fueron a ver unas 100.000 personas. En definitiva una película de cine independiente que como las buenas películas de Kevin Smith o todas las de Hal Hartley llega a ser un gran éxito comercial, debido a lo poco que gastan y lo que recaudan, sin dejar de lado lo cultural.

No se elige ser un héroe

 "Todos sabemos como son los actores, ambiciosos" Ramón

Desde el 13 de julio el teatro Gayarre no habría sus puertas por ese período al que llamamos vacaciones. Ayer, 23 de agosto volvió a abrirse al público con una comedia moderna escrita por David Desola y dirigida por Roberto Cerdá y con un quinteto de actores que ayer hicieron todos bien su papel.

Cuando Lenin hizo del metro de Moscú el palacio del pueblo se olvidó de que el pueblo ya tenía un palacio  y este no es otro que el teatro. Ayer había gente de todas las edades, escalas sociales y tan sólo unos pocos huecos vacíos. Un éxito. Con entradas que variaban desde los 4€ en anfiteatro con carnet joven hasta los 19€ en sala. Y sí, la gente paga 19€ con la que está cayendo para ir al teatro. Lo cual da que reflexionar a qué es lo que se hace mal en el cine para que no lleguen a pagar una entrada media de 7€.

El teatro no sólo no se puede piratear porque queda mal cuando es grabado, sino que además hasta los adolescentes van a verlo. La obra representada ayer como buena comedia moderna tuvo de todo. No podía ser de otra forma si se empieza con cinco hermanos, que no se llevan muy bien entre todos, reunidos para vender a la cocacola la memoria de su difunto padre comunista. Interpretados por Juanjo Artero, Carmen Ruiz, Natalia Roig, Patxi Freytez y Xisca Durán que fueron los encargados de dar el pistoletazo de salida a esta nueva temporada de teatro veraniego, antesala de lo que pasará a partir de octubre, temporada que promete ser mejor que la anterior cargada de politiqueos y sólo nos dejó grandes perlas como La Vida es Sueño y La Importancia de Llamarse Ernesto.

Con No Se Elige Ser Un Héroe se abren de nuevo las puertas del palacio del pueblo.

La crítica nos hará ciegos

Alerta: La exposición alargada a las críticas aquí expuestas puede provocar delirios, fallos orgánicos, locura, estrabismo, que aprendan arameo y que escriban críticas como las expuestas. 

Desde que bajé del tren hasta que llegué a la calle encontré tres anuncios de Guerra Mundial Z. Desde las profundidades de Atocha hasta la superficie me topé hasta en tres ocasiones con el blockbuster z del verano. Tres veces, cómo si fuese San Pedro, pero sin negaciones. Tenía interés en ver cómo la fastidiaban después de Lobezno Inmortal, os dejo la crítica del blog Detrás de la cámara. Pero hoy en lugar de hacer una crítica desde cero usaré dos críticas, una amateur y otra de una medio supuestamente especializado como es la revista Fotogramas. Prometo carcajadas.

Las dos críticas son estás: la amateur de El cine de Hollywood y la especializada de Fotogramas. Vamos por partes, primero la amateur.
3º parráfo Su personaje, Gerry Lane, sorprende grata y misteriosamente porque el espectador ignora cuál es su profesión en realidad, aun cuando salta a la vista que su pasado ha estado relacionado con el Gobierno y con operaciones especiales. Lane y su familia deberán escapar de la ciudad de Philadelphia cuando la pandemia, que lleva meses creciendo sin parar de personas que son atacadas por una mutación del virus de la rabia, obliga a los supervivientes a un gran éxodo a nivel mundial para salvar la vida. Pronto será llamado por sus antiguos colegas de la ONU quienes, a cambio de proteger a su familia, le piden que les ayude a ir al origen del virus, supuestamente localizado en Corea del Sur, para intentar encontrar el antídoto que frene a esta plaga del siglo XXI mortal y aterradora.

El personaje de Brad Pitt, hasta lo que mi escasa capacidad entendió, se encuentra con su antiguo jefe que en el momento de la película trabaja para la ONU por eso a mitad de la película no puede hacer nada por su familia porque ni pincha ni corta dentro del estado mayor de USA. No es lo mismo y por eso se entiende que a mitad de la película cuando Gerry Lane lleva 3 días incomunicado porque se ha estrellado y está inconsciente pongan a su familia fuera del portaaviones. Por cierto, línea dramática que se resuelve en un deus ex machina.

4º párrafo Desde la primera escena hasta su término, la cinta es un surtido de imágenes que no dejan de sobresaltarnos. Es aquí cuando uno se siente pequeño ante semejantes imágenes... toda esa horda de zombies, que no dejan de ser personas afectadas por un nuevo virus de la rabia que las anula como seres humanos y que tanto recuerda a una avalancha que se te viene encima y que sabes que no la vas a poder evitar de ninguna manera. Este es uno de los factores que más destacaría de esta película ya que es increíble la sensación que se apodera de ti en la sala de cine... el de conseguir que la persona que está viéndola se sienta implicada en todo momento.

Es una película de zombies, por lo tanto de terror, sustos, sobresaltos como quieras llamarlo, si no hay de eso estás viendo otra cosa, pero es que hasta Bienvenidos a Zombieland tenía sobresaltos. Otra cosa que no entiendo es qué se pretende con la última frase. Yo cuando vi El Rey León me sentí implicado con Simba cuando Mufasa muere. Con esa y con todas las películas, libros, cómics, obras de teatro, poemas que me he cruzado en la vida me he sentido implicado. Será por la empatia y porque se construyen los personajes para que el espectador forme un vínculo más o menos estrecho con el personaje. Por eso Walter White aunque sea el cabrón que ahora es nos cae bien y queremos que siga adelante en la andadura de Breaking Bad o nos tocaba la moral la poca inteligencia con la que Jack Shepard lideraba en Perdidos. Por eso el personaje favorito de Friends para algunas personas es Phoebe, para otras Joey e incluso hay quienes prefieren a Rachel.

5º párrafo Las escenas dantescas (no tienen otro adjetivo que las defina, son apabullantes) de los infectados actuando como una gran plaga que arrasa con todo lo que encuentra por delante, son sinónimo de una nueva especie mal derivada de una ya existente, la humana, capaz por lo tanto de saber organizarse y actuar conjuntamente para conseguir atacar los objetivos vivos hasta el punto de organizarse magistralmente para formar torres con sus propios cuerpos y así poder subir a alturas imposibles, derribando muros si hace falta. Ya estas escenas dejan al espectador sorprendido al máximo.

Una especie mal derivada. Lo que deja sorprendido es lo que se quiere expresar con lo de especie mal derivada. Ya hablaremos de esto más adelante pero piensen, los zombies son una especie mal derivada. Olé.

Así empieza el 6º párrafo: La película de Marc Forster se ha topado con no pocos problemas a la hora de poder ver la luz: un presupuesto descontrolado de los 125 millones iniciales que tenía asignados

La cola de personas que quieren 125 millones de presupuesto para su película de varias vueltas mi manzana. Vivo en una avenida. Hola, tengo mucho dinero para mi película, eso es un problema. Aparte de que está mal escrita la frase, la película ha costado 125 millones, lo que se pensaba que iba a costar la película no lo sabemos, lo que sabemos es que ha costado 125, lo de iniciales sobra e insisto habría que ver quién rechaza un presupuesto así.

Luego compara está película con Soy leyenda y la serie de AMC The Walking Dead. Y se estrella. Con Soy leyenda comparte que es una adaptación que no se parece nada al libro que adapta. Porque el libro escrito por Richard Matheson acaba contando la historia de un hombre que no se puede adaptar a la nueva sociedad emergente, pero oigan con algo hay que rellenar las críticas, aunque sea con datos erróneos. Con The Walking Dead se desmelena y dice que el contagio es más lento y las escenas con los zombies (pese a ser más viscerales e ilustrativas) son mucho más personales e íntimas que en la película de Pitt. Es más personal porque se centra en un grupo pequeño y no en todo el mundo y es menos apocalíptica por eso mismo. Porque sí, no hay otra explicación más lógica. La serie no es lo suficientemente apocalíptica, lo siento, Rick. Una 3º temporada que ha sido por una parte oleadas de zombies que mataban a personajes que salían nuevos para morir pronto, personal fue la 2º temporada. Pues cocina a fuego lento la transformación de la mayoría de personajes y desencadena entre ellos una tormenta de pasiones humanas. Yo, sinceramente, no sé qué películas ha visto ni que serie ve, hasta tal punto que lo que dice me parece absurdo. La película de Pitt es más apocalíptica porque se centra en el mundo en lugar de en un grupo de personas en medio de la USA más profunda. Lo mire por dónde lo mire no lo entiendo. Y a partir de ahí habla de lo bueno que sería seguir con los libros y terminar de contar la historia que empieza con Guerra Mundial Z como si con esto no hubiéramos tenido suficiente. 

Ahora desmontaremos la crítica de Fotogramas. Mirad cómo empiezan: ¿Queda algo que decir sobre el mito del zombi como metáfora de lo que el crítico Robin Wood denominó el retorno de los reprimidos? No mucho, la verdad. Los zombis de George A. Romero mordían porque tenían hambre. Los infectados de Danny Boyle, porque necesitaban contagiar al prójimo, propagar el virus y certifcar la pandemia mundial. Los de 'Guerra Mundial Z' son una mezcla entre unos y otros, una extensión de la velocidad de los de '28 días después' (2002), acentuando el componente gregario de los de Romero. Lo que importa aquí es la masa, que se mueve como un enjambre de cuerpos o una bandada de

pájaros depredadores, formando la que sin duda es la imagen más perdurable de la película, que fácilmente evoca las montañas de cadáveres de un campo de concentración nazi (no en vano ocurre a las puertasde Jerusalén). Tal vez por eso, Marc Forster eluda explicaciones políticas o medioambientales (más allá del locuaz parlamento de un virólogo no muy ducho en armas), porque tiene poco que añadir al subtexto ideológico del zombi, aparte de ampliar la potencia de su imaginería y hacer una broma macabra a costa del totalitarismo comunista de Corea del Norte.

Hasta tres veces se usa el argumento ad verecundiam y que se note que no ha visto 28 días después. Recordemos aquella casa llena de militares y un infectado bien atado en el patio interior al que se le negaba la comida para saber si morían o no de inanición. ¿Enserio escribes eso de los campos de concentración? Siendo una peli a la que se le ha acusado de predecible, ¿cómo se tiene la decencia de escribir eso? Si el agua significa agua, para salvar el muro que rodea Israel del resto del mundo no me imagino a los zombies llamando a la puerta disfrazados de ladrones asegurando que no van ahí a vender enciclopedias como en aquel sketch de los Monty Phyton. Pero yo que sé, no escribo en una revista profesional sino en mi blog. Mola mucho lo de Corea del Norte y Corea del Sur, es como leer los diarios, las críticas ya ni se ponen de acuerdo con el guión de las películas. 

ESPECTACULARMENTE MODESTA
Así las cosas, la mejor virtud de 'Guerra Mundial Z' (que apenas tiene nada que ver con la estructura polifónica del best seller de Max Brooks, y que ha tenido que superar los rumores de decenas de reescrituras, reshoots y remontajes) es su modestia. Modestia que ejemplifca de modo especialmente diáfano el personaje de Brad Pitt, que se conforma con ser el guía experto a través de una trama episódica, y cuya heroicidad, discreta y neutra, tarda casi todo el metraje en emerger. Parece que Forster no quiere dar gato por liebre: he aquí un blockbuster que ofrece lo que promete (entretenimiento sin límites), pero limando la
tendencia al exceso wagneriano que parece haberse impuesto en nuestra era digital.

Forster sabe que poder escuchar el castañeteo de la dentadura de un zombi es más poderoso que cualquier efecto de croma. Y, con la excepción de un par de escenas, la película, que bebe tanto del cine
apocalíptico como el de catástrofes, dibuja un mapa del caos como orden mundial a base de encadenar virtuosas set pieces con un aroma deliciosamente analógico. La nocturna escapada desde una base aérea americana en Corea del Sur, con una llamada de móvil como inoportuna intrusión, y el largo clímax fnal en un laberíntico laboratorio de la OMS plagado de zombis, auténtico tour de force en el que Forster demuestra su control sobre la puesta en escena, son sólo dos ejemplos de la efcacia de una película que sabe mantenerte pegado a la butaca.

La segunda parte de la crítica empieza con algo cuestionable y en mayúsculas. 125 millones de dólares espectacularmente modesta, debía ser lo que tenía el señor Pitt suelto en el bolsillo cuando dijo que producía la película. Evidentemente no es Avatar pero es bastante seguro que más de la mitad de películas que se producen al año no cuentan con tal cantidad de dinero para ser espetacularmente modestas. Por otra parte que el personaje de Pitt no se dedique a pegar tiros a diestro y siniestro me parece lo más inteligente, aún recuerdo el Piloto de The Walking Dead y un par de escenas de varias sagas zombies que muestran lo poco inteligente que puede ser un hombre con un arma. El personaje de Pitt no es soldado, ni poli, ni Bruce Willis, actúa cómo lo haría Ulises en medio de un mar zombie y eso es lo bueno de la peli, un protagonista tan poco convencional en este tipo de películas.

Luego dice algo muy interesante y que deja mucho que pensar de quién firma la crítica. Cuando habla del croma. No se ve como le amputan la mano a la soldado israelí, pero la actriz a partir de esa escena lleva una mano de croma en todas y cada una de las escenas que aparece. Por otra parte la escena con los zombies haciendo una torre para asaltar a los judíos está hecha en su completo de forma digital. Un copia y pega nivel El Reino de los Cielos.

¿Qué es la crítica actual sino hablar del guión y la actuación? El montaje, las luces, el decorado, los planos, ese tipo de cosas quedan en un segundo plano y se reducen a un par de frases. Yo creo que si quiero saber de que va la peli o me leo la sinopsis del periódico o veo el trailer. Cuando leo una crítica busco que se centre en aquellos aspectos que se pueden escapar mientras ves la película. En Guerrra Mundial Z por ejemplo sale Matthew Fox en un papel que se podría traducir a relleno de decorado. Siendo amigo del director, ¿cómo acabo siendo reducido su personaje a una frase? Un actor de su nivel y prestigio debía tener bastante más. ¿Queremos críticas o crónicas cinematográficas? Lo que se muestra aquí son crónicas con mayor o menor pretensión, con más o menos errores y por supuesto a años luz de las críticas que se hacían antes.

Deberíamos empezar a usar mejor adjetivos como especializada, nos ahorraríamos el nivel tan bajo que hay en la crítica cinematográfica actual.

Un cuento sobre el mal capitalismo

La persona que ha escrito esto, a saber yo, no sabe escribir.


El hombre de las cavernas emprendió su camino sólo. No era el mejor cazador, ni el más inteligente y mucho menos el más sensato, pero sin saberlo para aquella pequeña sociedad cada miembro era crucial. El resto de cazadores del grupo al notar su ausencia partieron en su búsqueda. Cuatro días después lo encontraron en un valle tras las montañas. Estaba descansando plácidamente en la sombra de un árbol, podía alcanzar la fruta con estirar la mano. Durante 4 días el grupo había perdido el tiempo, mientras que el hombre había gozado del descubrimiento, cuando regresaron el hombre de las cavernas, aquel que seguía siendo idéntico a cuando salió consiguió un puesto mucho más respetable.

Y esto es lo que hace la individualización en el capitalismo. Se dice que la premisa de que los ricos son más ricos y los pobres más pobres es falsa porque el grupo mejora algo a la vez que el rico. Es cierto, lo dice la parábola, cuento o lo que sea esto. Pero también es cierto que no fue el primero en partir quién dijo al resto su descubrimiento, fue el resto del grupo que puesto en marcha lo encontró. Y así ocurre ahora, que quienes arriesgan lo suyo y lo de los demás consiguen los triunfos y quienes se arriesgan ellos solos consiguen los falsos halagos.

Otra oportunidad pérdida

Los actores son unos seres vagos y los directores soberbios y engreídos, por eso existen los montadores. Otro año más se ha desperdiciado una nueva oportunidad con la gala de los premios Goya. Otra más. Igual es que para mí el concepto fiesta no sólo es decir las cosas buenas y bonitas sino también las que se pueden y deben mejorar. La noche del domingo fue como el resto de noches, lo malo del cine español siempre viene de fuera: escasas subvenciones, competencia desleal de Hollywod, y ahora la subida del IVA.
No me parece mal que se quejen, pero me parece más preocupante lo que sigue costando la entrada sin IVA, lo que costaba antes y la futura ley del mecenazgo. Esa última me preocupa mucho pues puede acabar como la ley que imponía a las cadenas de TV poner un tanto % del presupuesto del año en cine. Si esa nueva ley se escribe como la anterior pueden peligrar muchas formas de hacer cine. Claro que el mundo del cine tiene sus derechos, pero también tiene sus deberes, que son numerosos. El cine se sustenta en imágenes y esas imágenes deben ser morales, cada vez que se falta no sólo a la verosimilitud, sino también a la verdad estamos haciendo las cosas mal. Y el domingo se hicieron unas cuantas.
Nunca he visto en la gala de los Goya autocrítica en el monólogo inicial, como he dicho los errores parecen venir siempre de fuera y muy lejos. Es una lástima porque en los Oscar sí que hay autocrítica, presentaba la gala Hugh Jackman.

Pero hay más, el error con el ganador a mejor canción es de juzgado de guardia, al presentador que otorga el Goya no le ayuda saber quién lo recogería si falta el "nominado tal". No parece que vaya a cambiar porque como siempre se ha hecho así pues...

Esta ahora he hablado de detalles. Se ha perdido una oportunidad para hablar sobre otra forma de distribuir el cine español en Internet, este año Paco León estrenó su opera prima tanto en salas de cine como en Internet y el domingo no se habló ello. Sí se habló sobre las injusticias para con la sanidad y la educación, pero no es ahí ni así donde la gente del cine tiene que hablar de ello. Para eso están las películas, como la alemana La Promesa (1996), que criticaba la explotación de inmigrantes ilegales, la gala de los Goya no está para hacer demagogia con vestidos cuyo coste daría para comer a varias familias.
Se ha perdido la oportunidad, nuevamente, de valorar el trabajo de extranjeros que han hecho que nuestras películas sean vistas en todo el mundo. No puedo creerme que ninguno de los 4 actores extranjeros hiciesen un trabajo por el cual no debieran ganar el Goya. Si queremos ser respetados fuera, debemos respetar. Ya vale de nominar a gente de fuera para que eleve el glamour, el cine es un artesanía, una magia, un arte. El cine no es una alfombra roja, megáfonos, focos y chicas descomunales. Así lo entienden Concha Velasco y José Sacristán y se nota mucho. El discurso de Concha fue muy benevolente, tanto que hizo parte de su obra de teatro. El de José fue la demostración de que él SÍ es un actorazo, que conoce muy bien la industria y mucho mejor la Academia. Que sabe que nos hemos olvidado de una generación entera que puso los cimientos para que hace 27 años se formase la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas.

Somos españoles y nuestro deporte nacional no es el fútbol sino envidiar, y muchas veces criticamos para ensalzar otros trabajos. No hablaré sobre los ganadores, los premios se dan como se dan y no hay porque darles más vueltas. Como he expuesto ha sido otra oportunidad perdida, en buena parte por la falta de valor de la gente de la Academia que aún no se entera de que el presente parece formarse de una mezcla de 1ª vía con 3ª vía. Pero de eso, de cómo se está formando el presente del cine español hablaremos otro día.

Nuestras Guerras

Perdió a sus seres queridos y quiso creer que la solución era la que todos decían. Se alistó para salvar al mundo de una amenaza. Una vez ahí vislumbró lo que ocurría en realidad; lo llaman mal necesario. Había perdido a un ser querido y le serían arrebatados muchos más; ahora era otro instrumento; su elección fue madurar rápido o morir muy lentamente.

Crítica de "Los idus de marzo"

George Clooney ha creado una forma de hacer cine y la ejecuta a la perfección. Sus historias tienen una profundidad europea, pero son historias sobre el EE.UU. actual. Su estilo con las cámaras es sobrio, no innova, quizá por eso no se le notan fallos, pero le sirve para firmar una película de alta calidad cada vez que se coloca detrás de ella.

“Los idus de marzo”es una adaptación cinematográfica de la obra teatral "Farragut North" de Beau Willimon. Otra, más, película crítica. Crítica con la clase política, a los periodistas, a las campañas, a los compañeros de trabajo, en esta hay que ser más ágil para entenderla. Se sustenta en un sólido guión que crea la tensión suficiente y el suspense necesario para atrapar al espectador desde el principio y llevarlo de la mano por la trama hasta la escena clímax. Esa es otra de las virtudes de Clooney, sus películas tienen una cadencia final siempre acorde con el tono del film, y esta no es una excepción.

El elenco tiene una calidad difícil de superar: George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei y como protagonista, Ryan Gosling. La lucha entre P.S.H y Paul Giamatti se lleva de forma magistral, y no sólo es interpretativa. George es una estrella, sabe como brillar, pero esta vez se aparta del centro de atención y de esta forma sirve de luz de fondo para engrandecer a un Ryan Gosling soberbio. Nos empezamos a pensar como no le han podido nominar este año con algunas de sus interpretaciones al Oscar, no digo que lo hubiera ganado, pero la nominación se nos hubiera tentado segura. La película obtuvo una nominación al mejor guión adaptado. Fue estrenada en EE.UU. en octubre, pero ha sido estrenado en Europa una semana antes del Idus de marzo. Meritoria la campaña publicitaria.

ATENCIÓN, vienen SPOLIERS, SPOILERAZOS, SPOILERS VIENEN
(Si después de esto has seguido y te has spoileado, ve a visitar a un psicólogo)

Trama

Un joven idealista (Rylan Gosling) trabaja de director de comunicación para un prometedor candidato demócrata (George Clooney) en su carrera primaria hacia la Casa Blanca. Es mano derecha del director de campaña, (Philip Seymour Hoffman) un veterano en campañas políticas enfrentado con un viejo compañero (Paul Giamatti) que es el director de campaña del principal rival del personaje de George Clooney. Centrados en las elecciones de Ohio, “Donde va Ohio va el mundo”, y con el supermartes enfrente. Tienen la carrera casi ganada, solo necesitarían el apoyo de un senador para conseguir la victoria final. Todo se enreda para el protagonista cuando empieza una relación con una becaria. Y del resto no les cuento nada, porque sería spoilear a tope.

Con una feroz crítica al sistema político, reparte lo mismo a Demócratas y Republicanos. A los europeos nos sirve como autocrítica y para conocer mejor los entresijos del sistema selectivo americano.

Otra gran película de Clooney detrás de las cámaras y otra gran actuación del que va a ser el actor del momento este año: Ryan Gosling. Una película de como se puede llegar a la cima bajando al mismísimo infierno para adueñarte de tu sitio.

Asunto Loewe

Como esto de la realidad se ha vuelto un campo existencialista donde lo que ocurrió ayer ya no importa y lo que ocurra mañana será más importante que hoy, y antes de que la noticia se convierta en papel de baño pretendo dar mi punto de vista, quizá opaco, sobre el asunto. Vuela por la realidad 2.0 la nueva campaña publicitaria de la marca Loewe. La indignación parace ser el sentimiento que predomina al ver estos vídeos, el cómo han podido reflejar a los españoles, a la juventud, el futuro, de esa manera. Les dejo el vídeo.

El anuncio como tal no merece ni los peores calificativos, insultarlo sería como poner en pantalla a Jar Jar Binks. Desde el punto de vista económico esta campaña está arrasando, ahora me explico. El anuncio no está dirigido para toda la población, el anuncio está dirigido para los jóvenes hijos de sus actuales compradores. Yo no pienso en comprarme un bolso de Loewe, por favor, antes incluso de mirar la etiqueta ya sé que no puedo permitir un gasto como ese en un objeto como el que venden. La cantidad de tópicos nos hace pensar en un público americano, hay subtítulos en inglés, y la gente ahora no trabaja gratis. Loewe va a ganar mucho dinero gracias a esta campaña, mucho.
Otra cosa es si argumentamos en la ética o si debatimos sobre dónde ha quedado el prestigio obtenido después de tantos años por la empresa. Todas las profesiones tienen una ética e independientemente de esta se puede ganar mucho dinero. Esto es un asunto personal, ser humilde y saber quién eres, o ir a por la pasta sin que te importe el camino.

Pero ahora pondré otro ejemplo de una buena campaña. Estas semanas circula un vídeo muy largo por You Tube, las personas que opinan que los vídeos largos no tienen éxito se están comiendo sus ridículas palabras, hablo de la campaña Kony, les pongo el vídeo.
Autocríticas aparte, se pueden hacer y muchas sobre esto, esta campaña tiene algo que nos mueve a apoyarla y a que queramos el objetivo final, y es que es JUSTA. Es un vídeo que sí va dirigido para todos, pero especialmente va dirigido para Kony,  porque lo han de capturar tarde o temprano, y esperemos que sea antes de los idus de abril.


Toca hacer autocrítica con el asunto Loewe. Ellos han conseguido lo que querían, que hablaramos de ellos, esto no lo digo yo, Oscar Wilde inmortolizó la importancia de que hablen de uno de esta manera: "Que hablen de uno es espantoso. Pero hay algo peor: que no hablen". Loewe ha conseguido una publicidad impagable, en Twitter ha sido TT nº1 durante horas, la cantidad de links que se han hecho a sus vídeos es elevadísima, si alguna persona no se ha enterado de que existe una marca llamada Loewe es que no tiene Internet, o todavía no lo ha usado. Radios, redes sociales, e-mails, tenemos Loewe hasta en la sopa de letras. Y a Loewe le da igual como le pongamos de verde; la semana que viene ocurrirá alguna cosa o saldrá algo dentro de un mes que hará que la mayoría, excepto los que se apuntan esto por ser publicistas, o los que no olvidamos por ser raros, olvide el anuncio; pues ha usado de maravilla dos cosas: la publicidad viral, y nuestra incapacidad de ver lo evidente.
Es innegable estar en contra de la primera premisa, pues todos están hablando de la campaña, del producto a fin de cuentas. En cuanto a la segunda premisa, es muy probable que sigan sin verla, la dura autocrítica no circula tanto por estos lares como la jactancia. Hemos actuado como la paloma mensajera que lleva de un lado a otro el mensaje sin plantearse lo que dice, como el periodista que reproduce lo que le han dicho sin entenderlo, como la secretaria que coge  el teléfono y le dice a su jefe que tiene una llamada en la línea dos.
En otras palabras, como títeres usados a placer. Y sé perfectamente que esto no va a ser tan linkeado como los vídeos, ni tan visto como la menos vista de sus partes individuales, las hay, pero estas son las reglas del juego, y ustedes, señores y señoras del jurado no las quieren cambiar.
Anoche conseguí hacerme dos preguntas que más o menos logré contestarme, pero me gustaría saber qué piensan.
1. Si no es nuestra identidad, ¿por qué nos sentimos ofendidos por el vídeo, y por qué no tenemos tan clara nuestra identidad?
2. ¿Por qué necesitamos que nos acaricie la destrucción para empezar a reflexionar?

Crítica de "Luces Rojas"

Si el hombre que nos encerró en un atáud 90 min no fuese español seguramente tendría el mundo a sus pies y todos se rifarían la ocasión de trabajar con él. Esperemos que consiga eso a pesar de ser más españolito que los diarios futbolísticos. Esto de aquí no va a ser una crítica normal, porque criticar una peli y no ser capaz de expecificar cómo mejorarla es una prueba de ineptitud por parte del que escribe, algunos creen que por mencionar a Hitchcock saben todo sobre el cine.
Luces rojas de Rodrigo Cortés
Thriller de suspense en donde el laureado director de Buried nos muestra, una vez más, la oscuridad de su cabeza. Esto no se lo oirán a nadie, pero el principio crea muchas espectativas, demasiadas. Uno se piensa que está ante un film con corte de Tarkovski, con tomas largas regulando de medios a planos cortos con una luz puesta de manera intencionada. Pura ilusión, solo es un amago y enseguida empezamos con los cienmil cortes que parece necesitar una película para ser denominada película. Pero no, las influencias son otras: Lynch, Shyamalan, Nolan...Andamos por un terreno que no es sólido, que intentará atraernos y nublarnos la mente, pero amigo Cortés te pudo querer ser guay. La peli francamente es buena, de gran calidad. Los actores tienen grande interpretaciones, incluido un Robert de Niro al que se le priva de los ojos para actuar. La fotografía empieza bien, hasta que se convierte en un rollo de papel higiénico, Cortés debe limpiarse con esos momentos de la película, y si no lo hace debería.
El problema de la película es querer ser cool. Predominan los planos medios y los planos cortos, todo muy cerrado, creo que se puede contar con la mano todos los planos generales de la peli. Esto merma parte de la actuación pues nunca se les verá las piernas, el movimiento que traen. La peor parte es la clase de S. Weaver, La luz es igual que el principio de la película, tratada de la misma forma y eso consigue que veamos un plano de 2/3 de la clase con la figura de Weaver desenfocada hablando en el centro de la imagen. Está en medio hablando y la imagen está sucia, la escena la rematan con un plano detalle de un borrador y un rotulador. ¿Qué nos quiere contar con ese plano? Si alguien lo sabe que me envie un mail, pero la respuesta es que quiere ser guay. Eso o parecerse al plano detalle de la nata de Inglorious Basterds, lo que nos indica que quería ser cool.
(ATENCIÓN QUE VIENEN SPOILERS, SPOILER, SPOILERAZO QUE VIENE)
Si después de esto lo leen es su culpa y de nadie más. La foto empieza a mejorar tras la muerte del personaje S.Weaver, toma consciencia de la realidad dentro del film, si amanece la luz será luz de amanecer y no como antes que tenía el mismo efecto de luz y el mismo trato. A mi entender la peli tiene dos finales, uno muy americano y otro muy europeo. El primero es el europeo: "No puedes negar lo que eres". El segundo es el americano: El chico bueno pilla al malo, se queda con la chica y descubre que hay algo más ayudando así al personaje de S.Weaver.
(YA DEJO DE HACER SPOILER)
No sé quién escogió a Cillian Murphy para el papel pero se ha ganado varias medallas, el chico destaca muchísimo y ha demostrado que puede llevar el peso del protagonista, me recuerda algo a Heath Ledger al actuar, sin problemas. 
Rodrigo Cortés ha hecho una película que no llegará a denominarse clásica pero que tiene bastante calidad, todo el metraje para decirnos que dejamos de ver las evidencias.
7,858/10

Crítica: Alien vs Predator

Alien vs. Predator

Bien, ayer estuve viendo dicha película y voy a hace una crítica de esto. Esta película es una precuela de Alien y una secuela de Predator dirigida por Paul W. S. Anderson y estrenada en 2004, cuenta en su elenco al actor que hizo de Bishop en las primeras secuelas de Alien, Lance Henriksen haciendo del millonario Charles B. Weyland. El éxito de esta película hizo que en 2007 se estrenara Aliens vs. Predato .
Un satélite artificial descubre en la Antártida un foco de calor procedente de lo que parece una pirámide antigua, el dueño es el millonario en cuestión que no duda en tirar de talonario para comprar al mejor equipo, una guía experta en el hielo, un bioquímico, dos arqueólogos, un equipo de excavación y como no, un grupo de mercenarios.
Una vez encima de la pirámide, que tiene símbolos de todas las civilizaciones de Centro y Sudamérica, se encuentran que alguien ya ha perforado y se disponen a bajar. Entran en la pirámide y uno de ellos no se da cuenta de que pisa un dispositivo que activa en la sala inferior una especie de elevador donde se encuentra una reina Alien criogenizada, en realidad han sido los yautja quienes han perforado el hielo, ya que cada cien años hacen una cacería donde los humanos son utilizados como contenedor de aliens, a partir de ahí todo se convierte en una lucha por la supervivencia en la que por supuesto no podrán oír tus gritos.

Puntos Buenos
La película cuenta con varios puntos buenos, entre ellos que se consigue mezclar las dos sagas sin romper el hilo de las películas, de ahí que se elija la Antártida como lugar para desarrollar la trama, de esta manera es comprensible que la protagonista de Alien no sepa de la existencia de estos seres, no hubiese sido lo mismo elegir New York como lugar de trama.
Por parte de Predator descubrimos que tienen un ritual de cacería para pasar a ser “Sangre Joven”, lo cual resulta ser la única novedad del film.
Hay una escena en un avión que recuerda a Jurassic Park, cuando sin saber porque les han llamado empiezan a hablar entre ellos, aquí coinciden la guía y el bioquímico, aunque no hay gag en el momento de abrocharse el cinturón gracias a dios.
Las escenas de lucha entre Alien y Predator son brutales, creando el clímax en la segunda parte de la película.
El lugar sigue captando la atmósfera claustrofóbica de Alien (1979)
El último punto bueno es de cinéfilo fan de estas sagas, la B. del apellido del millonario es Bishop, recordamos que es el mismo actor el que hace ese papel, así que 150 años después a la actualidad su empresa crea un robot con la cara de su fundador, si seguimos claro el orden cronológico de la trama de las películas.

Puntos Malos
Aquí los hay a patadas. Para empezar tenemos a personajes a los que les damos importancia en algunas escenas y luego no sirven ni para morir, tenemos una escena en la que la guía habla con la otra única mujer que acompaña la expedición, una mercenaria, hay un chiste malo sobre armas y condones y la escena se acaba. Pues esta chica no tardará en morir siendo la primera a la que le revienta la caja torácica el prealien, en una escena en qué por más que lo intentan no da miedo en absoluto.
Luego tenemos al nombrado bioquímico que no sé porque carajo va a la expedición porque no hace nada, ni toma muestras, ni nada, solo dice un par de cositas que para llevar un bioquímico no hacía falta, eso sí, morir muere en otra escena en que ni da frío ni calor.
Y aquí viene donde la matan, literalmente, el grupo de expedición es enorme, no sé puede decir un número exacto pero podrían ser unos 20 individuos, claro que a la hora de matarlos lo hacemos en tres escenas en las que no dan miedo, ni susto, ni sobresalto ni nada, en 30 segundos o los Alien o los Predator se cargan a 3 o 4 de estos pipiolos.
El hecho de que los Predator enseñasen a los humanos a construir y que los borregos de ellos se ofreciesen como sacrificio para engendrar Aliens.
El equipo va a la Antártida con uno de los mejores equipos de excavación y algunas de las mejores armas pero no lleva ningún tipo de sistema de comunicación entre ellos, solo una radio, es incoherente.
Al final los Predator recogen el cuerpo sin vida del último de ellos, el cual es evidente que tiene sirve de huésped para un alien, pero son incapaces de verlo, en la segunda mitad de la película el último Predator vivo usa una visión térmica para ver si los humanos tienen en su interior Aliens, esto hace que el final sea incoherente matando al guión justo donde tiene que ser más sólido.

Resumen
La película cuida mucho que los aficionados a las sagas no se sientan defraudados con la unión de las dos sagas, la imágenes de las luchas son impactantes y llegan a ser la parte más interesante del film, pero las grandes meteduras de patas del guión, sobretodo al final y el uso de las mismas formas en todas las películas de Alien para matar al principio sin crear suspense y miedo alguno en TODA la película la convierten en una película de ciencia ficción y ya, ni el suspense ni el miedo aparecen ni un segundo en esta película.