Hacia lo salvaje

"¿Vas a quedarte una temporada?" Pascal

En aquellos primeros dorados años del cine los lugares que acogían a la primera generación de espectadores eran verdaderos palacios muy parecidos a los teatros. Lugares con grandes salas, lugares bonitos. Hoy en día hay menos, en octubre siempre se puede ir a visitar el Moncayo en Tudela a raíz de su festival de ópera prima, y los que hay no son como los que eran. La decoración es mucho más moderna y minimalista, sin ese toque de glamour de los primeros años. Algo más cutre quizá, más Miley Cyrus que Rita Hayworth. No es malo sino distinto aunque nunca está de más recordar los orígenes.

La película de hoy va de orígenes y de sencillez. Es Una casa en Córcega. Christina es una joven de treinta, con un trabajo de camarera y un novio llamado Marco. Una vida normal y monótona, una vida muy contemporánea con los problemas de estrés y aburrimiento que conllevan. La abuela de Christina muere y le deja una casa en Córcega, evidentemente todo su entorno le recomienda que la venda directamente y aquí empieza lo bueno, la joven Christina se enfrenta por primera vez a ellos y decide ir a ver la casa antes de venderla.

En Córcega le pasará algo parecido al personaje de Russell Crowe en Un buen año y su vida dará un giro de 180º. Una alabanza a la vida, a la serenidad y el silencio del campo, una oda a cómo conocerse a uno mismo y a cómo vivir la vida a su manera, pero vivirla de verdad y no lo que le pasaba antes. Un canto a la introspección como posibilidad y disfrute del ser humano sin apenas planos cortos. Una película sencilla con temas inmortales como el amor, la amistad o el amor fraterno. Y no les digo de quién se enamora Christina porque les destruyo la película.

El director belga Pierre Duculot debuta en un largometraje de ficción con esta película que él mismo clasifica como "muy poco americana".  Pero este belga no es ningún recién llegado, profesor, periodista cinematográfico, productor y director de documentales y programador de festivales. Para él la ficción debe ser como una vacaciones.

En su estreno en Madrid, la película se rodó en 2011 y se estrenó a mitades de agosto ejemplo del drama de las pequeñas producciones, Pierre dijo: "El hecho de que se haya rodado con poco dinero impone unas opciones que a mí no me molestan porque me horrorizan las cámaras que se mueven sólo por moverse". Todo un alegato de cómo rodar y de cómo vivir la vida. No me cansaré de decir que el cine te enseña el oficio de la vida y la vida los oficios del cine.

Vuelva a tomarse unas vacaciones con la ficción, señor Duculot. Por favor, hágalo por el público que pide un cine más inteligente.

Esta es la última entrada de las mejores películas del verano. Sé que no son cinco cómo suele ser habitual en este tipo de listados pero sería demasiado vanidoso por mi parte escribir de una película más cuando no he visto todas las películas de verano. Es cierto que he visto más, varios de los blockbusters veraniegos pero me han parecido muy flojos y con cierta falta de respeto a la inteligencia del público. También he echado de menos que aún no se hayan estrenado películas que en algunos festivales han salido con buenas críticas e incluso premios importantes, pero visto como esta el mundo de la distribución no me extraña nada y mucho menos si a La Caza le costó un año desde que se estrenó en Cannes hasta que se estrenó en nuestras salas. Bueno, os dejo un hueco para que opinéis qué película debería incluirse en esta lista. Ahora es cuando me podéis decir que me he olvidado de esta o aquella película y los porqués convenientes en los comentarios, y comentar cuál debería rellenar la lista.

Espero que hayan disfrutado del verano, nos vemos.

La venganza de Madelaine

"Siempre hay algo auténtico en cada falsificación". Virgil Oldman

Durante años fue considerada Ciudadano Kane la mejor película de la historia. Hoy en día no sólo no es la ópera prima de Orson Welles sino que además ha perdido su corona en beneficio de Vértigo de Alfred Hitchcock. Ambas películas tenían como uno de sus temas la percepción de la realidad. Uno cómo principal y el otro como secundario. La película de hoy da una vuelta de tuerca a ese tema  de la percepción de la realidad, tema tan antiguo en el cine como lo es Carl Theodore Dreyer.

La película de la que hablamos hoy es la última obra del cineasta Giuseppe Tornatore, La mejor oferta. En asociación con Warner Bros y proyectada en la edición 63º de la Berlinale, un año después de que fuera proyectada la película de la que hablamos anteriormente.Una banda sonora de la mano de Ennio Morricone que está llevando acabo su vendetta personal contra la industria de manera sublime. Con muy buenas críticas por parte de los medios y una gran aceptación por parte del público esta película es de un gran potencial. Quizá por eso se han usado actores no italianos y se ha rodado en inglés. No nos podemos quejar, en pantalla tenemos a un tremendo Geoffrey Rush, uno de los poco actores con la triple corona de Oscar, Emmy y Tony y la escalera de premios a los que sumamos a los anteriores el Bafta, Globo de Oro y Sindicato de actores.


El personaje de Geoffrey Rush se llama Virgil Oldman, el nombre va con coña, es un experto en arte y se dedica al mundo de las subastas. Junto al personaje de Donald Shuterland, que a estas alturas de su vida lo único que hace en cada película que participa es engrandecer su leyenda, se dedican a comprar grandes cuadros a precio de ganga. El viejo Oldman tiene un trastorno compulsivo y guarda en una habitación

retratos de mujeres, única y exclusivamente retratos de mujeres. Es muy importante saber que estamos ante una persona que al igual que el personaje de James Stewart no percibe correctamente la realidad. Porque en esta película ya sabemos que va a pasar, se nos muestra abiertamente pero gracias a ese juego de subjetividad con el protagonista se consigue la sorpresa por parte del espectador.

Este personaje se encuentra con una señorita con agorafobia y una casa llena de muebles y diversas piezas de arte que quiere subastar. Un suculento tesoro y él elige la mejor parte, a la joven. A partir de ese momento la sombra de Madelaine es larga y cómo en Vértigo él intentará cambiarla, mejorarla, hasta que superé su fobia. Y ahí esta la magia de este film que al final le da una vuelta de tuerca, previsible porque te lo estaba diciendo una y otra vez, pero sin dejar de sorprender. Y es esa vuelta de tuerca lo que marca la diferencia entre una película buena y una muy buena.

He de reconocer que este director italiano es un figura.

Al silencio lo empuja el viento

"Pero las personas que mataron no fueron parásitos. Los niños iban a la escuela. Tenían baño. Eran gitanos trabajadores". Jefe de Policía

Los europeos desde el principio entendimos que en esto del cine sin silencio no se iba a ninguna parte. Las primeras películas de los Lumière no necesitaban intertítulos para entenderse. Han pasado unos ciento veinte años y el silencio sigue siendo crucial para muchos europeos.

En la tierra de Béla Balázs se han hecho películas donde el silencio estaba en su mayoría presente. En Sólo el viento no es diferente. Es tan real y cuenta su historia con tanta crudeza como la película que ayer mencionábamos. O más. La película no es un documental, usa hechos reales para crear una ficción paralela. Es una película sobre el miedo, la opresión del fuerte al débil o del que recibe las ayudas al que no las puede conseguir, el racismo, el machismo, pero sobre todo de las diferentes formas de defender a la familia. Empieza la mañana siguiente al brutal asesinato a un familia gitana vecina dónde ejecutaron uno a uno a sus miembros.

Con un padre que está en Toronto sacando dinero para llevarlos a Cánada y en una sociedad donde una mujer es afortunada si llega al matrimonio sin ser violada la madre, el hermano y la hermana, cada uno a su forma intentan defender a la familia. La madre a base de sacrificio, es pluriempleada y va constantemente de un trabajo a otro. A causa de esa vida ha tenido problemas con el alcohol. Para ella todos los días comienzan antes de que salga el sol cuando silenciosamente hace café. La hermana lo hace desde la ternura, es experta en escapar, quizá por su etnia, de los abusos sexuales de los compañeros de clase. Porque sí, es una escuela donde nadie ve nada. Es mejor mirar a otro lado y callar que hablar y ser el centro de los abusos. En el entorno familiar cuida realmente más que los hombres a las mujeres. El hermano defiende a la familia mediante su ingenio de pillo. Sabe dónde está cada cosa que sirve la pena y tiene un plan b por si todo va mal.

Porque es un sitio dónde todo va mal. El jefe de policía en el lugar del último asesinato deja patente que sabe quiénes son pero no puede hacer nada por pillarlos y cree que las últimas víctimas fueron sacrificadas y no tuvieron que ver con las otras víctimas de violencia racial. Son los fuertes acechando al débil en un sistema creado por ellos mismos. Los hombres machacan a las mujeres, mujeres que son las que realmente sacan adelante la vida en esos lugares.

Es una película preciosa, la cámara sigue a los tres personajes principales a lo largo de un día en su deambular en silencio por la vida con la cabeza agachada por el miedo. Con apenas líneas de diálogo y muchas escenas dónde el manejo con el que graban con luz natural es impecable. Hay muchas escenas plagadas de silencios cómo la última en la morgue de la comisaria dónde sólo con la expresión y los movimientos del actor se sabe que el forense está tan cansado de estas muertes inútiles como el jefe de policía y se siente impotente. La impotencia de colocar, otra vez, la ropa a los muertos. O otras como la madre levantándose aún de noche para hacer el café, la hermana jugando con la chica en el agua que contiene productos de limpieza, el niño sacando su rabia contenida al darse cuenta de lo que realmente pasa. Pequeña escenas que se marcan en nuestras retinas.

Un film muy valiente que sin necesidad de mostrar y mediante sugerencias nos coloca en situación. Así pues el vistazo a un informe del forense nos cuenta lo brutales que fueron los asesinatos, el que dos adolescentes, uno sin camiseta, tiren a una chica al suelo y le digan que se deje que terminan pronto y que ya sabía que iban a por ella nos cuenta una vida de abusos y un largo etcétera.

Con actores amateur el autodidacta director Benedek Fliegauf ha conseguido alzarse con el Oso del Gran Premio del Jurado de la Berlinale. Lo cual no es moco de pavo. Una película que en España se estrenó la misma semana que Guerra Mundial Z. Mientras en Berlín salió aplaudida en España entró con prejuicio. La radio, los periódicos o la televisión hacían eco a la lentitud con la que la película avanzaba y así Sólo el viento pasó por la cartelera cómo su protagonista por la escuela con la cabeza agachada y sin hacer ruido, fingiendo no existir para no ser la siguiente víctima.

Está película no piensa en hacértelo pasar bien, ni siquiera que salgas a la calle indignado, tan sólo que seamos conscientes. Lo que cuenta pasó en Europa, en nuestra querida y democrática UE y muchos de esos maltratos siguen ocurriendo aún en Europa. Es la voz de los que callan. Porque hay demasiadas injusticias cuyo único testigo es sólo el viento.

Ego 0%, Talento 100%

"Aún no has contestado a mi pregunta" Celine
"¿Qué pregunta?" Jesse
"¿Quieres estar conmigo los próximos 56 años"? Celine

Voy a escribir varios post sobre cuales han sido para mí las mejores películas del verano. A ser posible si vais a comentar y aún faltan por escribir post no digáis que me estoy olvidando de tal o cual película, simplemente no puedo escribir un post muy largo porque nadie lo leería del todo, yo me moriría escribiendo, así que tiene que ir por partes. Tampoco van a ir en orden, no voy a coger y ponerlas en ningún orden, simplemente para mí estas son las mejores películas del verano. Algunas tienen unas cosas que otras no tienen, unas son ejemplo de grandes ejercicios cinematrográficos, otras tienen un interés más antropológico lo cual no quita que sean grandes películas plagadas de una técnica usada a la perfección. Simplemente son joyitas que nos ha dejado el verano.

La primera película de la que voy a hablar es la 3º parte de una trilogía. Porque las trilogías también pueden ser buenas películas. Hablo de Antes del anochecer. Con unas excelentes críticas en Sundance y en la Berlinale. Modesta. Así es la trilogía de Richard Linklater. Más francesa que americana. Dos cámaras, un equipo de sonido, una steady, una grúa, un guión, música y algunos actores. Nada más, con eso se hace una película. Con eso Linklater filma la trilogía sobre el amor en la vida contemporánea. En una hora y cuarenta y ocho minutos nos muestra un día, el tercero que vemos de la vida compartida entre Celine y Jesse. Si Jane Austen con Orgullo y Prejuicio escribía sobre las diferentes relaciones de pareja, Linklater lo hace con una cámara sobre la evolución de una pareja. Entre la improvisación y el guión escrito.
Celine y Jesse, interpretados por Julie Delpy y Ethan Hawke, ambos excelentes y con un trabajo detrás de las cámaras que los engrandece a niveles impensables como en las dos películas anteriores. La película está grabada con muy pocos cortos y muchos planos secuencia. Entre el documental y la ficción. Se nos hace real ver a esta pareja que sufre la decadencia de la pasión y se encuentra en Grecia con la crudeza de los problemas cotidianos. Esa metáfora, lo que fue Grecia y su amor y lo que es ahora, un país destrozado.

Si la primera toma de contacto fue en Viena, el inicio de su vida viviendo juntos en París, no podría ser otro lugar sino Grecia para hablar de la crisis. La monotonía y cómo se lucha día a día contra ella hasta que finalmente se llega a lo que describe el libro Una pena en observación de C.S.Lewis, en la escena en la que están comiendo parejas de diversas edades y dos personas viudas.

Una de las cosas que más me gusta de esta película es la falta de ego que hay en torno a ella. En otras producciones vemos que una persona hace muchas, muchas cosas ella sola. Luego salen como salen, pero en esta Linklater deja el guión en sus manos y en la de sus dos actores protagonistas como ya lo hizo las dos primeras veces. Supongo que ese trabajo y el cuadrar las agendas ha sido la mayor parte de su labor como productor, los otros dos son uno griego y el suyo de toda la vida. El trabajo se delega y se vigila; es una de las pocas recetas que suelen salir bien. Con los actores ocurre lo mismo, lo normal es pedir primeros planos, monólogos o cosas así. Aquí hay un guión escrito y gracias a las decisiones de rodaje improvisación, claro que no sabemos que es lo improvisado y que es lo escrito.

En España recaudó 501.750 € o lo que es lo mismo la fueron a ver unas 100.000 personas. En definitiva una película de cine independiente que como las buenas películas de Kevin Smith o todas las de Hal Hartley llega a ser un gran éxito comercial, debido a lo poco que gastan y lo que recaudan, sin dejar de lado lo cultural.

No se elige ser un héroe

 "Todos sabemos como son los actores, ambiciosos" Ramón

Desde el 13 de julio el teatro Gayarre no habría sus puertas por ese período al que llamamos vacaciones. Ayer, 23 de agosto volvió a abrirse al público con una comedia moderna escrita por David Desola y dirigida por Roberto Cerdá y con un quinteto de actores que ayer hicieron todos bien su papel.

Cuando Lenin hizo del metro de Moscú el palacio del pueblo se olvidó de que el pueblo ya tenía un palacio  y este no es otro que el teatro. Ayer había gente de todas las edades, escalas sociales y tan sólo unos pocos huecos vacíos. Un éxito. Con entradas que variaban desde los 4€ en anfiteatro con carnet joven hasta los 19€ en sala. Y sí, la gente paga 19€ con la que está cayendo para ir al teatro. Lo cual da que reflexionar a qué es lo que se hace mal en el cine para que no lleguen a pagar una entrada media de 7€.

El teatro no sólo no se puede piratear porque queda mal cuando es grabado, sino que además hasta los adolescentes van a verlo. La obra representada ayer como buena comedia moderna tuvo de todo. No podía ser de otra forma si se empieza con cinco hermanos, que no se llevan muy bien entre todos, reunidos para vender a la cocacola la memoria de su difunto padre comunista. Interpretados por Juanjo Artero, Carmen Ruiz, Natalia Roig, Patxi Freytez y Xisca Durán que fueron los encargados de dar el pistoletazo de salida a esta nueva temporada de teatro veraniego, antesala de lo que pasará a partir de octubre, temporada que promete ser mejor que la anterior cargada de politiqueos y sólo nos dejó grandes perlas como La Vida es Sueño y La Importancia de Llamarse Ernesto.

Con No Se Elige Ser Un Héroe se abren de nuevo las puertas del palacio del pueblo.

La crítica nos hará ciegos

Alerta: La exposición alargada a las críticas aquí expuestas puede provocar delirios, fallos orgánicos, locura, estrabismo, que aprendan arameo y que escriban críticas como las expuestas. 

Desde que bajé del tren hasta que llegué a la calle encontré tres anuncios de Guerra Mundial Z. Desde las profundidades de Atocha hasta la superficie me topé hasta en tres ocasiones con el blockbuster z del verano. Tres veces, cómo si fuese San Pedro, pero sin negaciones. Tenía interés en ver cómo la fastidiaban después de Lobezno Inmortal, os dejo la crítica del blog Detrás de la cámara. Pero hoy en lugar de hacer una crítica desde cero usaré dos críticas, una amateur y otra de una medio supuestamente especializado como es la revista Fotogramas. Prometo carcajadas.

Las dos críticas son estás: la amateur de El cine de Hollywood y la especializada de Fotogramas. Vamos por partes, primero la amateur.
3º parráfo Su personaje, Gerry Lane, sorprende grata y misteriosamente porque el espectador ignora cuál es su profesión en realidad, aun cuando salta a la vista que su pasado ha estado relacionado con el Gobierno y con operaciones especiales. Lane y su familia deberán escapar de la ciudad de Philadelphia cuando la pandemia, que lleva meses creciendo sin parar de personas que son atacadas por una mutación del virus de la rabia, obliga a los supervivientes a un gran éxodo a nivel mundial para salvar la vida. Pronto será llamado por sus antiguos colegas de la ONU quienes, a cambio de proteger a su familia, le piden que les ayude a ir al origen del virus, supuestamente localizado en Corea del Sur, para intentar encontrar el antídoto que frene a esta plaga del siglo XXI mortal y aterradora.

El personaje de Brad Pitt, hasta lo que mi escasa capacidad entendió, se encuentra con su antiguo jefe que en el momento de la película trabaja para la ONU por eso a mitad de la película no puede hacer nada por su familia porque ni pincha ni corta dentro del estado mayor de USA. No es lo mismo y por eso se entiende que a mitad de la película cuando Gerry Lane lleva 3 días incomunicado porque se ha estrellado y está inconsciente pongan a su familia fuera del portaaviones. Por cierto, línea dramática que se resuelve en un deus ex machina.

4º párrafo Desde la primera escena hasta su término, la cinta es un surtido de imágenes que no dejan de sobresaltarnos. Es aquí cuando uno se siente pequeño ante semejantes imágenes... toda esa horda de zombies, que no dejan de ser personas afectadas por un nuevo virus de la rabia que las anula como seres humanos y que tanto recuerda a una avalancha que se te viene encima y que sabes que no la vas a poder evitar de ninguna manera. Este es uno de los factores que más destacaría de esta película ya que es increíble la sensación que se apodera de ti en la sala de cine... el de conseguir que la persona que está viéndola se sienta implicada en todo momento.

Es una película de zombies, por lo tanto de terror, sustos, sobresaltos como quieras llamarlo, si no hay de eso estás viendo otra cosa, pero es que hasta Bienvenidos a Zombieland tenía sobresaltos. Otra cosa que no entiendo es qué se pretende con la última frase. Yo cuando vi El Rey León me sentí implicado con Simba cuando Mufasa muere. Con esa y con todas las películas, libros, cómics, obras de teatro, poemas que me he cruzado en la vida me he sentido implicado. Será por la empatia y porque se construyen los personajes para que el espectador forme un vínculo más o menos estrecho con el personaje. Por eso Walter White aunque sea el cabrón que ahora es nos cae bien y queremos que siga adelante en la andadura de Breaking Bad o nos tocaba la moral la poca inteligencia con la que Jack Shepard lideraba en Perdidos. Por eso el personaje favorito de Friends para algunas personas es Phoebe, para otras Joey e incluso hay quienes prefieren a Rachel.

5º párrafo Las escenas dantescas (no tienen otro adjetivo que las defina, son apabullantes) de los infectados actuando como una gran plaga que arrasa con todo lo que encuentra por delante, son sinónimo de una nueva especie mal derivada de una ya existente, la humana, capaz por lo tanto de saber organizarse y actuar conjuntamente para conseguir atacar los objetivos vivos hasta el punto de organizarse magistralmente para formar torres con sus propios cuerpos y así poder subir a alturas imposibles, derribando muros si hace falta. Ya estas escenas dejan al espectador sorprendido al máximo.

Una especie mal derivada. Lo que deja sorprendido es lo que se quiere expresar con lo de especie mal derivada. Ya hablaremos de esto más adelante pero piensen, los zombies son una especie mal derivada. Olé.

Así empieza el 6º párrafo: La película de Marc Forster se ha topado con no pocos problemas a la hora de poder ver la luz: un presupuesto descontrolado de los 125 millones iniciales que tenía asignados

La cola de personas que quieren 125 millones de presupuesto para su película de varias vueltas mi manzana. Vivo en una avenida. Hola, tengo mucho dinero para mi película, eso es un problema. Aparte de que está mal escrita la frase, la película ha costado 125 millones, lo que se pensaba que iba a costar la película no lo sabemos, lo que sabemos es que ha costado 125, lo de iniciales sobra e insisto habría que ver quién rechaza un presupuesto así.

Luego compara está película con Soy leyenda y la serie de AMC The Walking Dead. Y se estrella. Con Soy leyenda comparte que es una adaptación que no se parece nada al libro que adapta. Porque el libro escrito por Richard Matheson acaba contando la historia de un hombre que no se puede adaptar a la nueva sociedad emergente, pero oigan con algo hay que rellenar las críticas, aunque sea con datos erróneos. Con The Walking Dead se desmelena y dice que el contagio es más lento y las escenas con los zombies (pese a ser más viscerales e ilustrativas) son mucho más personales e íntimas que en la película de Pitt. Es más personal porque se centra en un grupo pequeño y no en todo el mundo y es menos apocalíptica por eso mismo. Porque sí, no hay otra explicación más lógica. La serie no es lo suficientemente apocalíptica, lo siento, Rick. Una 3º temporada que ha sido por una parte oleadas de zombies que mataban a personajes que salían nuevos para morir pronto, personal fue la 2º temporada. Pues cocina a fuego lento la transformación de la mayoría de personajes y desencadena entre ellos una tormenta de pasiones humanas. Yo, sinceramente, no sé qué películas ha visto ni que serie ve, hasta tal punto que lo que dice me parece absurdo. La película de Pitt es más apocalíptica porque se centra en el mundo en lugar de en un grupo de personas en medio de la USA más profunda. Lo mire por dónde lo mire no lo entiendo. Y a partir de ahí habla de lo bueno que sería seguir con los libros y terminar de contar la historia que empieza con Guerra Mundial Z como si con esto no hubiéramos tenido suficiente. 

Ahora desmontaremos la crítica de Fotogramas. Mirad cómo empiezan: ¿Queda algo que decir sobre el mito del zombi como metáfora de lo que el crítico Robin Wood denominó el retorno de los reprimidos? No mucho, la verdad. Los zombis de George A. Romero mordían porque tenían hambre. Los infectados de Danny Boyle, porque necesitaban contagiar al prójimo, propagar el virus y certifcar la pandemia mundial. Los de 'Guerra Mundial Z' son una mezcla entre unos y otros, una extensión de la velocidad de los de '28 días después' (2002), acentuando el componente gregario de los de Romero. Lo que importa aquí es la masa, que se mueve como un enjambre de cuerpos o una bandada de

pájaros depredadores, formando la que sin duda es la imagen más perdurable de la película, que fácilmente evoca las montañas de cadáveres de un campo de concentración nazi (no en vano ocurre a las puertasde Jerusalén). Tal vez por eso, Marc Forster eluda explicaciones políticas o medioambientales (más allá del locuaz parlamento de un virólogo no muy ducho en armas), porque tiene poco que añadir al subtexto ideológico del zombi, aparte de ampliar la potencia de su imaginería y hacer una broma macabra a costa del totalitarismo comunista de Corea del Norte.

Hasta tres veces se usa el argumento ad verecundiam y que se note que no ha visto 28 días después. Recordemos aquella casa llena de militares y un infectado bien atado en el patio interior al que se le negaba la comida para saber si morían o no de inanición. ¿Enserio escribes eso de los campos de concentración? Siendo una peli a la que se le ha acusado de predecible, ¿cómo se tiene la decencia de escribir eso? Si el agua significa agua, para salvar el muro que rodea Israel del resto del mundo no me imagino a los zombies llamando a la puerta disfrazados de ladrones asegurando que no van ahí a vender enciclopedias como en aquel sketch de los Monty Phyton. Pero yo que sé, no escribo en una revista profesional sino en mi blog. Mola mucho lo de Corea del Norte y Corea del Sur, es como leer los diarios, las críticas ya ni se ponen de acuerdo con el guión de las películas. 

ESPECTACULARMENTE MODESTA
Así las cosas, la mejor virtud de 'Guerra Mundial Z' (que apenas tiene nada que ver con la estructura polifónica del best seller de Max Brooks, y que ha tenido que superar los rumores de decenas de reescrituras, reshoots y remontajes) es su modestia. Modestia que ejemplifca de modo especialmente diáfano el personaje de Brad Pitt, que se conforma con ser el guía experto a través de una trama episódica, y cuya heroicidad, discreta y neutra, tarda casi todo el metraje en emerger. Parece que Forster no quiere dar gato por liebre: he aquí un blockbuster que ofrece lo que promete (entretenimiento sin límites), pero limando la
tendencia al exceso wagneriano que parece haberse impuesto en nuestra era digital.

Forster sabe que poder escuchar el castañeteo de la dentadura de un zombi es más poderoso que cualquier efecto de croma. Y, con la excepción de un par de escenas, la película, que bebe tanto del cine
apocalíptico como el de catástrofes, dibuja un mapa del caos como orden mundial a base de encadenar virtuosas set pieces con un aroma deliciosamente analógico. La nocturna escapada desde una base aérea americana en Corea del Sur, con una llamada de móvil como inoportuna intrusión, y el largo clímax fnal en un laberíntico laboratorio de la OMS plagado de zombis, auténtico tour de force en el que Forster demuestra su control sobre la puesta en escena, son sólo dos ejemplos de la efcacia de una película que sabe mantenerte pegado a la butaca.

La segunda parte de la crítica empieza con algo cuestionable y en mayúsculas. 125 millones de dólares espectacularmente modesta, debía ser lo que tenía el señor Pitt suelto en el bolsillo cuando dijo que producía la película. Evidentemente no es Avatar pero es bastante seguro que más de la mitad de películas que se producen al año no cuentan con tal cantidad de dinero para ser espetacularmente modestas. Por otra parte que el personaje de Pitt no se dedique a pegar tiros a diestro y siniestro me parece lo más inteligente, aún recuerdo el Piloto de The Walking Dead y un par de escenas de varias sagas zombies que muestran lo poco inteligente que puede ser un hombre con un arma. El personaje de Pitt no es soldado, ni poli, ni Bruce Willis, actúa cómo lo haría Ulises en medio de un mar zombie y eso es lo bueno de la peli, un protagonista tan poco convencional en este tipo de películas.

Luego dice algo muy interesante y que deja mucho que pensar de quién firma la crítica. Cuando habla del croma. No se ve como le amputan la mano a la soldado israelí, pero la actriz a partir de esa escena lleva una mano de croma en todas y cada una de las escenas que aparece. Por otra parte la escena con los zombies haciendo una torre para asaltar a los judíos está hecha en su completo de forma digital. Un copia y pega nivel El Reino de los Cielos.

¿Qué es la crítica actual sino hablar del guión y la actuación? El montaje, las luces, el decorado, los planos, ese tipo de cosas quedan en un segundo plano y se reducen a un par de frases. Yo creo que si quiero saber de que va la peli o me leo la sinopsis del periódico o veo el trailer. Cuando leo una crítica busco que se centre en aquellos aspectos que se pueden escapar mientras ves la película. En Guerrra Mundial Z por ejemplo sale Matthew Fox en un papel que se podría traducir a relleno de decorado. Siendo amigo del director, ¿cómo acabo siendo reducido su personaje a una frase? Un actor de su nivel y prestigio debía tener bastante más. ¿Queremos críticas o crónicas cinematográficas? Lo que se muestra aquí son crónicas con mayor o menor pretensión, con más o menos errores y por supuesto a años luz de las críticas que se hacían antes.

Deberíamos empezar a usar mejor adjetivos como especializada, nos ahorraríamos el nivel tan bajo que hay en la crítica cinematográfica actual.